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Nippon-Koku. Marcos-La Veronal. CND. Entrevista PDF Imprimir E-mail
Escrito por José R. Díaz Sande   
Jueves, 06 de Febrero de 2014 17:08

NIPPON-KOKU
LA SUMISIÓN AL PODER

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FOTO: www.madridteatro.net

Con la llegada de José Carlos Martínez a la Compañía Nacional de Danza (CND), la filosofía de programación se concretaba en tres aspectos: El clásico y neoclásico;  los grandes coreógrafos, y la oportunidad para coreógrafos jóvenes españoles dentro y fuera de España. Nippon-Koku responde a esta tercer a modalidad con la peculiaridad de que

  • se trata de una pieza completa que llenará toda la velada. Su creador es Marcos Morau & La Veronal, al cual considero como un coreógrafo muy formado y no emergente. La prueba es que recibió el Premio Nacional de Danza, este año. Posee una estética particular y es  un trabajo muy cuidado, con lo cual me pareció oportuno pedirle la noche completa. Han sido casi dos meses y medio con un trabajo intenso par los bailarines de la Compañía. Muchos de los bailarines no conocían su proceso creativo, y han aprendido muchas cosas - desvela José Carlos Martínez. 
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FOTO: www.madridteatro.net

A LA BÚSQUEDA
DE NUEVOS SOPORTES EXPRESIVOS

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FOTOS: www.madridteatro.net

Marcos Moreau, licenciado en Coreografía con la máxima calificación y con Premio extraordinario en el Institut del Teatre de Barcelona y el Movemente Research de nueva York, completa su formación con la ayudantía de dirección en el Nederlands Theater II de Holanda, y en la Compañía IT Danza de Barcelona, dirigido por Caherine Allard. Su formación alcanza también la fotografía y la dramaturgia. 

En 2005 crea La Veronal, un colectivo que integra artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía.

  • el objetico de La Veronal- explica Marcos Moreau - consiste en una búsqueda constante de nuevos soportes expresivos y referencias culturales, como son la literatura, el cine y la fotografía principalmente, para crear un lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales.

Por parte Marcos, tras estos meses de ensayo y llega a puerto, constata a los bailarines de la CND como "buenísimos". Abordar un nuevo proyecto

  • Siempre es un reto -advierte Marcos. Me gusta jugar con esta idea de reto y de trabajar bajo presión. Trabajamos en una pequeña familia que se llama La Veronal  (Barcelona) y con unos bailarines y equipo. Somos muchas cabezas pensantes. Desde hace dos años para acá, además de seguir con su camino de creaciones, exportamos nuestra manera de entender la danza y nuestra manera  de entender nuestros espectáculos en otras compañías.

ACERCAR LA CND A ENTENDER
NUESTROS MOVIMIENTOS

La Veronal, en este último aspecto lleva ya un recorrido: Cophenague, Noruega y en un futuro Suecia. Llega ahora a la Compañía Nacional de Danza.

  • cuando José Carlos nos invitó, era como un regalo el poder exportar nuestra manera de entender la danza  en una compañía, con unos bailarines, un equipo y con un sello, y que nuestro imaginario penetrara, de alguna manera, en la Compañía. En estos dos meses de trabajo hemos intentado aproximarnos a esta idea.  Es imposible acercar a los bailarines al 100% a lo nuestro. Sólo intentábamos  acercar la manera de entender nuestro movimiento, lo que la escena puede dar de sí, no sólo con danza, sino utilizar todos los recursos a nuestro alcance.

NOS FUIMOS LO MÁS LEJOS QUE PUDIMOS:
JAPÓN

Al ofrecer la CND bailarines, equipo y toda una velada , Marcos & La Veronal se pusieron en marcha :

  • Hacia dónde queremos ir, qué queremos contar, qué queremos plasmar con la Compañía. Llega un proceso largo de creación junto a Pablo Gisbert, que es el dramaturgo de la Compañía, junto a Roberto Fratini(asistente de la dramaturgia), junto a Lorena Nogal (asistente de la coreografía), junto a bailarines y equipo con los que trabajamos en Barcelona, para ver cuál es la mejor manera. Ahí apareció Japón y la idea de hablar del poder, hablar de la autoridad, hablar de la sociedad. En qué momento estamos. Cómo respiramos la sumisión ante la autoridad. Cómo nos comportamos ante esta idea. Queremos que los temas que tocamos están concordancia con el tiempo que nos ha tocado vivir. Nos fuimos lo más lejos que pudimos: Japón. Eso en el lado argumental, pero en el lado formal queríamos que la pieza tuviese que ver con el ritmo y gesto oriental. Con todo lo que tiene que ver que depende y huele a Japón. Japón, para nosotros, es por los japoneses, por los personajes que nos llegan a Occidente. Hablamos de Mishima, Kurosawa, de Butho, de cosas que son los puntos de apoyo desde cómo una mente española entiende Japón. En el fondo ni vamos a describir Japón, ni habar de su sociedad, ni nada que se le parezca. Es nuestro paisaje mental que habla del poder ubicado en este Japón, de la Segunda Guerra Mundial, claros perdedores para partir de ahí y llegar a otro sitio. No se trata de una pieza documental. El peligro es que el público  intenta encontrar el lugar que hayamos tratado, pero ahí no está mi juego Lo que hacemos es colocar unas señales, jugar con la imagen, que es lo que mejor se nos da. Jugar con la composición y es el espectador el que traduce esta composición, este ritmo  de imágenes en un significado. Para nosotros lo tiene, pues al colocar algo ante los ojos, comienzan una serie de estímulos, que es inevitable frenar y que me parece que es más interesante. Podría ser teatro, cine o música.
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FOTO: www.madridtetro.net

La huída al Japón, cuando podría ser otro lugar, en incluso guerras más cercanas, donde uno se topa, también, con el abuso de poder, Marcos la justifica porque

  • queríamos buscar un distanciamiento. Podría hablar del pode de sumisión desde España, la guerra civil, Cataluña... el tomar distancia y colocar ese punto distante, hace que las cosas respiren más y yo pueda proyectar sobre ese país imaginario. El decidir ponerlo en Japón, muchas veces, no tiene nada que ver con el trabajo de campo. lo hago porque Japón me ha dado esto... No va por ahí. Tengo unas inquietudes estéticas, visuales hacia Japón y tengo esta idea. Confronto estos dos temas y veo cómo chocan. Ahí empieza realmente la pieza. Está claro que pudimos ubicarnos en Siria, o Egipto. Quizás tendríamos una línea de lectura más estrecha. El no haber estado en Japón por mi parte es otra de las decisiones. Cuando fuimos a Finlandia o en Rusia, previamente había estado allí. Pero cuando trabajamos sobre Siena o Japón, hay una firme voluntad de no ir allí y no influenciarme por lo que veo, sino por lo que me imagino que es y cómo puedo entender algo que no he visto. El grado de creatividad, para mí, suma.    

LORENA ES EL CUERPO
MARCOS LA CABEZA DEL TAMDEM CREATIVO

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FOTOS: www.madridteatro.net

Marcos advierte de que no es bailarín. De ahí que su composición del movimiento

  • sea un tanto compleja. Me cuesta muchísimo estar con el bailarín y decirle hacia dónde va el movimiento, pues para mí es algo abstracto y aparentemente no debería significar nada. No obstante el contexto y los elementos colaterales a la danza, y cómo está mirada esa danza hace que tenga un valor. He intentado trabajar con mi filosofía y comunicarlo a los bailarines. Para ello es importante el trabajo paralelo de Lorena Nogal, asistente  del movimiento. Ella domina mi filosofía en lo que respecta al movimiento, el ritmo, las cadencias que conforman la abstracción del movimiento. Ahí está ella. Se puede decir que ella es el cuerpo y yo la cabeza con mi equipo. Es cierto que sin esta "tamdem" no haríamos danza. Si Lorena se dedicara a la ópera y ella fuera cantante, trabajaríamos con otro lenguaje. Mientras sigamos con el movimiento haremos danza, pero a lo mejor esto, en otro momento, cambia.

Gran parte del equipo de Barcelona se ha trasladado a Madrid para trabajar en este proyecto, con la CND.

  • El trabajo es muy a fuego lento, aunque ahora el fuego está a tope. En el previo al estreno todo lo pensado y a lo que has dado vuelta, tienes que cerrarlo y concluir. El trabajo de cualquier artista, es el de concluir. Es muy complejo. Se resume en hasta aquí he podido llegar. Para mí es lo más difícil y, al mismo tiempo, lo más mágico. A última hora los retoques de la pieza, tiene sentido y cobra valor.

CONVENCER A LOS BAILARINES
QUE PUEDEN CREAR.

Marcos está acostumbrado a trabajar con su equipo, donde anida una filosofía común. En el caso de la CND se trata de trasladar todo eso a un equipo ajeno.

  • Cuando hay que trasladar estas ideas a otro equipo distinto, necesitas un proceso de adaptación: conocer al bailarín, conocer cómo trabaja esta compañía, conocer cuáles son sus puntos flacos y sus puntos fuertes. Hay que jugar con la psicología de ellos para poder sacar de ellos lo mejor. El tiempo, aquí, manda y el tiempo va siempre en nuestra contra, ya que el proceso de aprendizaje de todo esto, supone un tiempo. Para eso trabajamos con la improvisación y la composición. No es lo mismo ir con una pieza de teatro escrita y el actor tenga que aprenderla, que ir con una hoja en blanco y que sea el actor quien tiene que escribir el texto. Aquí hay uno de los retos del bailarín. Les damos herramientas para que ellos puedan improvisar y crear. Nuestra misión es convencer de que ellos pueden crear, pero es difícil enfrentarte con esta hoja en blanco. Es normal que un bailarín esté acostumbrado a que llegue un coreógrafo y le de los pasos cerrados. Los aprendas y los copies. Para nosotros es no sólo esto, sino que se puede combinar con la idea de "vamos a crear juntos" desde el principio. Ahí es donde hemos ganado mucho tiempo. No perder tiempo, porque el tiempo empleado en confiar en ellos mismos hará que se conviertan en mejores bailarines o en gente mucho más confiada en sí mismos. Ahí están los dos meses de trabajo. Superado este período de mes y medio, comenzamos a fijar: qué hay antes y qué hay después; cómo modificar el ritmo y para esto trabajamos mucho con Pablo(dramaturgia) y Roberto Fratini (asistente a la dramaturgia), siempre con la idea de la "secuencia de una película". Llegamos a la CND con un casi "story-board" (guión cinematográfico en viñetas) de lo que se va a hacer, que ha empezado a romperse en función de nuevos ritmos y nuevas etapas. Mi manera de concebir un espectáculo es que todo está abierto, nada está cerrado, pues en el momento en que cierras una puerta te pierdes lo que puede haber en esa habitación. Se intentan cerrar las puertas cuando ves que no hay más escapatoria, pues siempre hay un motivo mejor. Una vez cerrado, queda cerrado para siempre y lo podría repetir otra compañía. Es como una película. La puedes exportar. Lo único que habría que ver es cómo se articula en otro momento que no es éste. 

LOS DIEZ MANDAMIENTOS
PARA CREAR EL MOVIMIENTO

Las herramientas entregadas a los bailarines pertenecen

  • al lenguaje, que llamamos Coba. Es nuestra manera de entender el movimiento. Tenemos unos diez mandamientos, diez herramientas. Lo que hacemos es mostrar cómo trabajamos con estas herramientas, que son muy cerradas y completas, fáciles pero toda facilidad tiene su complejidad, al poder usarlas con libertad. Hemos intentado acotar el movimiento: este movimiento lleva a este movimiento y aquí comienza todo un discurso cómo componemos el lenguaje. Los bailarines son distintos entre ellos y lo que los unifica es que bailan en la CND, que significa que tienen el mismo "filling" hacia la danza, pero son tan distintos que el intentar acercarse a ellos desde nuestra ideología del movimiento, me basta con que se lleven el 20%, para mí es suficiente. Nunca haré de ellos igual a la gente con la que yo trabajo y no es lo que se pretende. Lo que se pretende es que tengan una idea sobre cuál es nuestro método de trabajo, nuestra dramaturgia del movimiento.

El origen de este método y sus herramientas viene

  • de un gusto personal. Al no ser bailarín, tuve que inventarme un lenguaje par hablar con los bailarines. Aunque no sea capaz de moverme, si codifico y lo explico a los demás, todos tenemos el mismo lenguaje y podemos entendernos.  Es similar cuando se aprende un idioma. Al principio te reduces a frases establecidas, cuando lo dominas puedes improvisar. Aquí son los diez mandamientos claros y a partir de ahí podemos improvisar. Le pongo nombres a las reglas, y así nos entendemos. Esto lo hacen muchos grandes coreógrafos. Lo bonito es ver cómo el bailarín incorpora mi mundo del movimiento.
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FOTO: www.madridteatro.net

NO SE INTENTA RICIDULIZAR JAPÓN.
NI ACUSARLO DE IMPERIALISMO

Al tratar el tema del poder y ubicarlo en Japón puede que, Japón se sienta ofendido. Marcos piensa que no pues confía

  • en la capacidad del espectador de hacer abstracción. Saber que no pertenece a algo estrictamente documental, sino que es una idea desde el respeto y desde la maravillosa posibilidad de creación. Una bailarina de la Compañía es japonesa y está inmersa en el proceso. Espero que ella, en ningún momento, haya sentido que intentamos ridiculizar a Japón o a la Segunda Guerra Mundial. Todo está hecho desde el respeto y del poder conectar ideas entre sí. No se trata de criticar ni de hacer campaña política contra el imperialismo del Japón en la Segunda Guerra Mundial. Al menos, espero haberlo conseguido.
 

 
José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Lunes, 10 de Febrero de 2014 12:29