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Juan José. Sorozábal.Entrevista PDF Imprimir E-mail
Escrito por José R. Díaz Sande   
Lunes, 08 de Febrero de 2016 11:41

JUAN  JOSÉ
EL WOZZECK ESPAÑOL

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FOTO: www.madridteatro.net 

Juan Josées obra considerada como una denuncia social, estrenada el 29 de octubre de 1895 en el Teatro de la Comedia de Madrid. Su autor es el periodista, dramaturgo, poeta y narrador Joaquín Dicenta Benedicto (Calatayud, Zaragoza 1862 - Alicante, 1917), padre del dramaturgo Joaquín Dicenta (1893 - 1967) y del actor Manuel Dicenta (1905- 1974).  Con este título se inaugura el drama social en España. Es un melodrama de celos, pero con la característica de que se desarrolla en una tasca que frecuentan albañiles. Desde su estreno hasta antes de la Guerra civil se representó en muchas ocasiones.

Las representaciones en España además de su estreno fue en 1936 en el Teatro Español; en 1948 en el Teatro Cómico de Madrid, y en 1980 Televisión española, en el espacio Teatro de la segunda cadena, ofreció una versión dirigida y realizada por Francisco Montolio. (1)

A LA TERCERA  VA LA VENCIDA

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  DANIEL BIANCO
FOTO: www.madridteatro.net

Este texto llamó la atención de Pablo Sorozábal y lo transformó en ópera, que tras varios intentos de estreno, llenos de rumorología, consigue estrenarse en 2016 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Daniel Bianco, director artístico del teatro de la Zarzuela se felicita porque se cumple el refrán de

  • a la tercera va la vencida. En 1979, Jesús Aguirre, como Director General de Música, impulsa el estreno en esta casa de Juan José. Pocos días antes del estreno por desavenencias del maestro, retira la obra y no se llega a estrenar. En 1989 siendo director de esta casa José Antonio Campos entiende que es una deuda que se tiene con  el maestro y propone estrenarla, y tiene una entrevista personal con él en la casa de Sorozábal, que estaba en batín, y le dice a José Antonio:"Finalmente conoce usted al ogro".  El maestro le dice que está muy contento de que se haga. Le pone sólo una condición. Que la obra la cante Plácido Domingo, Montserrat Caballé y Teresa Berganza. Era imposible unirlos y, una vez más, quedó en el cajón de los recuerdos. Finalmente, hoy, después de 48 años  de la composición de la obra, el Teatro de la Zarzuela abre la puerta al estreno mundial de esta representación en su versión escénica.    

En el 2009 se había estrenado en San Sebastián en versión de concierto.

SOROZÁBAL TENÍA MUCHÍSIMO INTERÉS
EN QUE FUERA YO PORQUE ERA EL QUE CON MÁS FIDELIDAD
IBA A HACER LA MÚSICA QUE HABÍA COMPUESTO

Miguel Ángel Gómez Martínez se encarga de la dirección musical. Invitado internacionalmente por los más importantes teatros de Europa y grandes orquestas. es también compositor.  Últimamente en el Teatro de la Zarzuela ha dirigido El juramento (Gaztambide), La del manojo de rosas (Sorozábal) y La marchenera ( Moreno Torroba). Al tratarse de un estreno mundial agradece que el que se haya contado con él, aunque

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      MIGUEL ÁNGEL GÓMEZ MARTÍNEZ
    FOTO: www.madridteatro.net
    en realidad fui yo quien propuse hacer el
    Juan José a Paolo Pinamonti- el anterior director artístico del Teatro de la Zarzuela - quien consideró que la idea era magnífica. Conocí al maestro Sorozábal en el año 1974, en Berlín. Asistió a una representación que yo dirigí, El baile de máscaras de Verdi. Al final fue a verme al camerino, pero yo no conocí en él a "ningún ogro".  Al contrario. Era un personaje mayor, simpático, agradable, aunque, sí, era muy directo. Decía lo que pensaba sin ningún tapujo y sin adornarlo con nada. Como yo soy así, un poco, también, hizo que congeniáramos  inmediatamente. Hubo una amistad no de vernos todos los días, pues él estaba en España  y yo viajaba por el mundo entero, pero seguimos en contacto continuo. Fue el primero que me habló de su Juan José, diciendo que era su obra cumbre y tenía muchísimo interés en que después de verme en El baile de mascaras, fuera yo el que con más fidelidad ibas a hacer la música que había compuesto. Le dije que mi lema era ser lo más fiel posible al compositor de turno. No pudimos hacer el estreno en el año 1989, que era cuando la iba a dirigir, por la condición que Sorozábal había puesto, pero no se me olvidó la idea de dirigirla en alguna ocasión y cuando he podido proponerlo lo he hecho. Además la propondré también fuera de España. Como el equipo que tengo es de lo mejor que se puede conseguir, si puedo me lo llevaré a otros sitios. 

UNA MÚSICA VERISTA MUY AVANZADA
QUE SE CORRESPONDE EXACTAMENTE
CON LAS SITUACIONES ESCÉNICAS

Referente a la música Miguel Ángel  la califica de

  • muy especial. Es una música verista muy avanzada que se corresponde exactamente con las situaciones escénicas. Son armonías avanzadas que no se han oído antes en sus composiciones anteriores, sino que , en esta obra, se atreve, entre comillas, a un producción bastante más vanguardista que el resto de las obras que él había compuesto. Es una obra que sólo es tonal en algunos momentos. Es atonal, lo que pasa es que es un atonalidad diferente a la que estamos acostumbrados a escuchar.  Es una atonalidad que suena bien. si vamos a eso también el Tristán de Wagner es atonal, porque hasta el final de los actos no se tiene una tonalidad firme en la que apoyarse. Más o menos lo mismo sucede con esta obra, aunque aquí hay varios puntos de apoyo más que los finales de actos. En general es una obra en a que la tonalidad se diluye y no hay muchos puntos de apoyo en esa música tradicional. 

Adiós a La Bohemia es una partitura que se aparta un de sus composiciones regulares. Miguel Ángel afirma que tiene algo de esa obra a nivel musical

  • pero aquí es más avanzado

MATARÉ A QUIEN DIRIJA
ESTA FUNCIÓN SI NO SOY YO

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JOSÉ CARLOS PLAZA
FOTO: www.madridteatro.net
 

José Carlos Plaza se ha encargado de la dirección escénica, la cual la deseaba desde hace tiempo.

  • El encargo de hacer Juan José me vino hace unos años. En cuanto lo escuché dije una famosa frase:" Mataré a quien dirija eta función si no soy yo", porque me enamoré del texto y de la música. Creo que me llegó al corazón, al alma, al estomago y a todo mi organismo. Durante tres años he estado con ella dándole vueltas. La música arranca de unos temas profundamente populares del alma española. Con mi poco oído musical, oigo pasodobles, habaneras, chotis, mazurcas, pero están rotas de alguna manera. Parte de una realidad popular y lo distorsiona. Nosotros con la colaboración de las pinturas de Enrique Marty, que ha venido a ayudarnos, en el montaje hemos partido de la realidad - una cama, una mesa, una silla - y la hemos rotos, de alguna manera, para llevarlo a lo que yo creo que  es la función, que, creo, es un cuento expresionista, un cuento terrible. Una historia tremenda de crueldad. Sin la ayuda de Enrique yo no habría podido hacer nunca este espectáculo. Enrique es uno de los grandes pintores que hay en este país y gracias a él junto al escenógrafo Paco Leal y Pedro Moreno, que imagino no puede venir hoy porque está tiñendo el vestuario y con las manos metidas en tintes, hemos intentado ser fiel a dos cosas, para mí fundamentales: la música y el texto, es decir la propia ópera y el espíritu que he creído ver de Dicenta y Sorozábal y la sociedad actual de hoy. Muy desgraciadamente ha sido muy fácil. La miseria, el paro, la incultura, desahucios, la violencia constante y aceptada contra la mujer, a veces por las propias mujeres No hubiera pensado hace tres años que, hoy en día, resulta un periódico abierto de nuestra realidad. La verdad es que duele. porque uno pensaba que podía contarlo desde fuera, muy alejado, pero no. Está muy dentro del alma.
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ÁNGEL ÓDENA / IVO STACHEV
FOTO: www.madridteatro.net

LOS CANTANTES HAN HECHO
UN ESFUERZO TREMENDO

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  ÁNGEL ÓDENA / IVO STANCHEV
FOTO: www.madridteatro.net

José Carlos pone el acento en los cantantes que

  • han hecho un esfuerzo tremendo. No puedo hablar musicalmente. Los oigo y me quedo boquiabierto de su esfuerzo, pero, sobre todo, a nivel de interpretación, una persona a la que quiero mucho me dijo:"Parece una obra de teatro". Es que la hacen como una obra de teatro. Tienen todas las motivaciones. Han entendido perfectamente que están haciendo antihéroes. En ningún momento hacen personajes defendibles, sino muy, muy antihéroes.Antes de ayer cuando escuché  con toda la orquesta el segundo acto, se me descubrió por primera vez desde Kurt Weill a Strawinsky, Brecht en La ópera de tres centavos… Fue una cosa extraordinaria. No hay más que palabras de agradecimiento porque me confirmo, un poco, toda esta teoría de intentar llevar al hoy desde el siglo XIX, mediados del XX al 2016 del XXI, esos tres siglos llevarlos a nuestros días. Muchísimas gracias a todos los cantantes por el esfuerzo que han hecho por entender lo que teníamos que contar, que son seres que sacan lo peor de sí mismos, obligados por las circunstancias.           

YO CREO QUE EN EL ARTE ESTÁ LA SALVACIÓN

La temática de la obra original de Juan José, la ha retomado Sorozábal. Lo que él ha planteado con la obra, José Carlos Plaza afirma no conocer la intencionalidad final

  • puesto que, desafortunadamente, no he tenido la ocasión de conocer a Sorozábal. Sé que sí hay una salida a este mundo tan terrible que plantea y es que escribió la música de este drama terrible. La salida es que alguien es capaz de contarlo de una forma artística. Yo creo que en el Arte está la salvación. Alguien que ha podido crear de la miseria un poema musical o literario, me parece que ya es la esperanza del ser humano. Si la obra es una denuncia social, creo que los espectadores lo van a entender como lo quiera entender.

Lo que haya motivado a Sorozábal interesarse por esta temática de Juan José, muy representada en prosa, José Carlos Plaza afirma no saberlo pero conociendo el enfrentamiento de Sorozábal con los poderes públicos se puede intuir que lo que le pudo llamar la atención

  • es la historia de dolor y represión, que él mismo padeció. Está contando una historia de este tipo, y lógicamente se tenían que encontrar. Son dos almas heridas de alguna manera.

JUAN JOSÉ EL ES EL WOZZEKC ESPAÑOL

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RUBÉN AMORETTI / MILAGROS MARTÍN
FOTO: www.madridteatro.net
 

A primera vista podría pensarse que Juan José tiene que ver con el naturalismo de Emilio Zola en Los miserables. Para José Carlos Plaza hay una diferencia

  • Los miserables tiene un barroquismo, una grandeza y una amplitud. Para mí es el Wozzeck español (CLIKEAR), con la sobriedad, la serenidad, la fuerza, la dureza, la limpieza y la economía. 

A nivel textual que es del propio Sorozábal, lo toma del original

  • Lo limpia muchísimo y cambia el final que, para mí, es lo más apasionante. Juan José no mata a Rosa. Muere por accidente. Es algo estupendo de Sorozábal, que supone un talento magistral, para hablar de la mala suerte. De cómo el destino se ceba. Termina diciendo "¡La he matado yo!", pero en realidad la ha mandado callar. Es muy interesante este sentido de Sorozábal , en el momento de adaptar la obra y lo ha hecho de una manera tan económica, tan limpia y directa, que va a permanecer eternamente. Con el cambio da la mirada comprensiva, compasiva de los seres que viven una realidad, de la cual no tienen realmente salida. Si la sociedad no cambia esos seres no tendrán salida nunca. Sobreviven en la miseria y cuando tienes un hundimiento tienes que agarrarte a dónde sea y haces daño. Lo que hace Sorozábal es abrirse la comprensión. Yo, a los cantantes les he dicho "sois personajes negativos", antihéroes, pero yo tengo una compasión por ellos de que estoy a  su lado totalmente. Y esto lo lleva metido Sorozábal en su alma. Está al lado de los perdedores.    

LA INCULTURA ES LA BASE DE LOS MALES

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  ANTONIO GANDÍA / CARMEN SOLÍS / ÁNGEL ÓDENA
FOTO: www.madridteatro.net

Uno de los elementos básicos de toda esta tragedia es la incultura. José Carlos Plaza cree que

  • la incultura es la base de los males. El otro día le dije a un político "¿Por qué no salís todos y decís la palabra Cultura? Si la palabra Cultura no es mala. No hace daña. No es como el fumar". Cuando hablan de la cultura hablan de diversión. Es tal barbaridad el haber perdido el alimento del espíritu, el alimento de la mente del ser humano, la capacidad de discernir que te da la cultura ,que yo estoy horrorizado que no se pronuncie. Sin la cultura podrán hacer de la gente lo que quieran, que es lo que hacen.

El tema de la cultura que sería la salida de una sociedad, José Carlos piensa que está ausente en los políticos.

  • Están ciegos por algo, que no sé muy bien lo que es, pues gente buena, que conozco, entra en la política y de pronto hay unos impedimentos que les hace imposible ver dónde realmente están las soluciones. Son soluciones a largo plazo y ellos tienen cuatro años. A medio plazo ya es un problema, a largo plazo no digamos. La enseñanza del teatro y la literatura en el colegio, la música ,el enseñar a pensar…Es a larguísimo plazo. Para que un niño vote le faltan 10 años  y ¿dónde está ese político? Luego, no le interesa.          

OCHO PERSONAJES INTERPRETADOS POR BAILARINES-ACTORES
REFLEJAN EL MUNDO DONDE VIVEN LOS PROTAGONISTAS

Cuando se recorre el reparto uno se sorprende con la anotación de bailarines, un total de 8, pues en un dramón, casi naturalista, de este estilo no se entiende bien cómo pueden encajar. Lo consigue Denise Perdikidis, otrora involucrada en la danza contemporánea. Sus estudios han sido expresión  corporal, danza clásica y contemporánea, que amplió en Francia, Inglaterra y Estados Unidos. Estudia canto e interpretación. Ha desarrollado su profesión como coreógrafa, asesora de movimiento escénico y como actriz en el Centro Dramático Nacional con José Carlos Plaza y Miguel Narros. Ha impartido talleres en diversos centros y ha sido profesora de interpretación gestual en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático. En la actualidad colabora en el Laboratorio Teatral William Layton. Denise declara estar muy contenta e ilusionada con este proyecto. Para ella

  • ha sido una experiencia maravillosa tanto musical como ver a los cantantes y el mundo que se ha creado. Mi trabajo ha sido crear una atmósfera a través de ocho personajes, interpretado por bailarines-actores. Se han entregado en cuerpo y alma y han hecho un trabajo estupendo.  Se trata de ocho personajes que reflejan el mundo donde viven los protagonistas. Escuchando a los protagonistas y los matices musicales hemos elaborado el movimiento con muchísimos matices. Lo más importante era estar presentes, incluso en la quietud. Es un movimiento desde dentro, respetando los focos donde tienes que estar, porque están en todo momento. Quiero agradecer este viaje a todos, pues ha sido un placer enorme.  
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DENISE PERDIKIDIS
FOTO: www.madridteatro.net
 

José Carlos Plaza se ha formado junto a Denise y la conoce desde hace mucho tiempo. Lo que le pidió fue

  • un movimiento lógico, es decir que en ningún momento sorprenda, pero que esté pautado como en el expresionismo. No se nota la danza en el sentido de "danza", sino en el sentido armónico del movimiento. Van totalmente con la música, pero sus movimientos son naturales. Es extraordinario verlos. Han hecho una labor extraordinaria. Se intenta crear una sensación expresionista, donde el naturalismo no es tal. No confunde porque está muy limpio.

Denise aporta un matiz

  • Esta obra no tiene ballet. Entonces era cómo bailar sin bailar. Lo primero que pensé es contar con unos actores bailarines, cada uno con un físico particular. He jugado mucho con las edades, los físicos para crear una personalidad física. La música, que me fascina, tiene tantísimos matices y a partir de los conceptos que cantan los protagonistas, cuando acaba aprovechaba la parte de abajo para crear el clima que se establecía. Entonces los bailarines cada uno hace un personaje. Todos sus movimientos están pautados, y a partir de su personaje se identifican con los protagonistas o se desintifican. Es como una suerte de pequeños o grandes movimientos, donde hemos trabajado a partir de la distorsión del movimiento, y forzando muchísimo el eje natural del cuerpo, creando diagonales, movimientos rotos, pero como si fuera una neblina que cubre el escenario. Comienzan abajo y van cambiando de estructura sin molestar, pero creando una neblina fría de miseria, de dolor de alma. De des-humanidad. 

LAS PINTURAS DE ENRIQUE MARTY
INTEGRADAS EN LA ESCENOGRAFÍA

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  ENRIQUE MARTY
FOTO: www.madridteatro.net

La escenografía e iluminación la firma Paco Leal, pero a ella vienen añadidas las ya mencionadas pinturas de Enrique Marty (Salamanca, 1992). Pintor con varias exposiciones, en teatro ha colaborado con José Carlos Plaza en varios de sus espectáculos. Con Cristina Hoyos prepara Viaje al Sur y con Agelica Liddell Perro muerto en tintorería, Y tu mejor sangría y Maldito sea el hombre.  

  • José Carlos ya lo ha explicado, y lo que hemos querido decir está en la obra. Estoy contentísimo. De todas las veces que hemos trabajado juntos esta es la que más me gusta. Es de una rotundidad especial y es, a la vez, muy sobrio el trabajo. Es muy terrible y tremendo. Es la más perfecta.

Las pinturas, según Enrique, parte de una idea como es el que

  • estén totalmente integradas en la propia escenografía. Que no sean unas pinturas, sino que todo el escenario sea un óleo. No son pinturas como si fueran cuadros, pero a la veces sí lo son.  Se trata de pinturas que, a veces, asemejan manchas en la pared y de repente tienen una forma antropomórfica. Son pinturas de tiza como si las hubiera hecho un niño. Todo está enfocado hacia un mismo punto. Eso era muy importante, que el escenario, la música  todo fuera hacia la misma dirección. Es una integración total.
  • Enrique y yo hemos trabajado juntos en muchas óperas - añade José Carlos -, y le hablé de esta ópera. La escuchó, la leyó y se presentó en mi casa con 300 dibujos, como poco. Los había dividido en dos posibilidades: una era simbolista. Había símbolos constantes, ratas… Era una joya. Le dije "no podemos ir por el simbolismo, tenemos que ir por la distorsión, por el expresionismo. A pesar de tantos dibujos, tuvo la humildad de escucharme, aguantarme y empezar a eliminar todo lo que era simbólico, y nos vamos todo a la deformación expresionista. Esa ha sido la integración de las pinturas en la escenografía.

ÁNGEL ÓDENA:
DURA DE CANTAR, DURA MUSICALMENTE
Y DURA PARA NOSOTROS

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ÁNGEL ÓDENA
FOTO: www.madridteatro.net
   

A Juan José lo interpreta el barítono Ángel Ódena (Tarragona), dueño de un amplio curriculum operístico. Ha recibido el Premio Lírico Teatro Campoamor por El gato Montés, producción del Teatro de la Zarzuela. La temporada pasada  lo pudimos oír en el Teatro Real cantando el papel de Germont, en La Traviata (CLIKEAR). Ángel califica esta ópera como

  • inédita, porque es única. Se habla de cantantes wagnerianos, en lo que se refiere a la especialidad, nosotros tendríamos que definirnos como cantantes "sorozalabianos", pues es una ópera dura, tanto musicalmente como dramáticamente. Dura de cantar, dura musicalmente y, como ha dicho José Carlos, la historia es dura para nosotros. En mi caso tienes que ir cambiando de manera de pensar, de pensamiento en  una hora y cincuenta minutos que es lo que dura la ópera.  Hay que mostrar al público muchos momentos de sentir y de vivir. Eso es lo más complicado en la ópera, y en el teatro, me imagino. En la ópera lo que haces es explicar en un período muy ancho en my poco tiempo y tu cabeza se tiene que ir transformando e intentar emitir estos sentimientos. Creo que lo hemos logrado con José Carlos al que le tengo un amor especial, porque es una de las mejores personas profesionales con las que he trabajado escénicamente. Con Miguel Ángel hemos hecho un buenísimo trabajo. La partitura es muy difícil, y Sorozábal quería estos cambios de pensamientos, de sensaciones, que son muchísimos y lo refleja en la música. Por eso es verismo puro. Hay una cosa muy importante que ha cuidado muchísimo el maestro y que para nosotros es mucho de agradecer. Esta orquestación es muy grande. No estamos hablando de Donizetti, Verdi ni de Marina. Estamos hablando de una gran orquestación y el maestro lo está cuidando muchísimo de que la voces se pueda oír y el texto se entienda. Nuestra intención es que así como nosotros lo pasamos bien también el público lo pase bien
  • O sea que pase un mal rato muy bueno - apostilla Miguel Ángel, aludiendo a lo dramático de una historia tan negra.         

CARMEN SOLÍS:
EL TEMA DE LA VIOLENCIA DE LA MUJER
ME OBSESIONA MUCHO

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    CARMEN SOLÍS
FOTO: www.madridteatro.net

La soprano Carmen Solís (Badajoz) es Rosa, la enamorada de Juan José, a la vez que traidora, según se mire.  Posee un abundante curriculumm en ópera y zarzuela, así como un amplio recorrido en el campo del oratorio y de la música sinfónico-coral con  obras de Verdi, Mozart, Vivaldi, Schubert, Pergolesi, Fauré, Rossini, Bach y Leo. Ha salido su primer disco en solitario junto al pianista Eduardo Moreno. Ha ofrecido "Liederabend" y recitales con pianistas destacados. Su debut en el Teatro Real fue con Orpheus und Euridyke de Krenek. Debuta en el Teatro de la Zarzuela con Juan José.

  • Uno de mis sueños desde pequeña fue debutar en este Teatro, y por fin puedo hacerlo y con una obra de esta altura tan enorme y que pertenece a uno de los compositores que más admiro de este país. Hace unos años he tenido ocasión de recuperar otra obra suya muy diferente, Entre Sevilla y Triana. Ahora lo recuperamos con una partitura difícil como ha dicho Ángel. Es muy arriesgada vocal y musicalmente. Ha habido un trabajo escénico muy importante y, para mí, ha sido un reto, pues se diferencia totalmente del resto de "roles"  operísticos que  puedo abarcar yo, y que he interpretado hasta ahora. He tenido un equipo artístico maravilloso, y con unos maestros que nos están ayudando para que sea una obra de referencia. He compartido escenario con compañeros con los que ya había cantado y con otros que admiraba, y era "fan", pero que no había podido cantar con ellos. Estoy my contenta, muy feliz y muy agradecida. Va a ser una grata sorpresa. La obra es muy fuerte, y por ello, escénicamente, nos cuesta meternos en el "rol". El tema, sobre todo, de la violencia de la mujer me obsesiona mucho. Hay un momento en la obra que se mofan de ello.

ANTONIO GANDÍA:
VAMOS A HACER HISTORIA MUNDIAL
DEL ESTRENO DE JUAN JOSÉ

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ANTONIO GANDÍA
FOTOS: www.madridteatro.net
   

Antonio Gandía (Crevillente), interpreta a Paco, el obsesioando amante de Rosa y generador del conflicto. Debutó en 2000 en el Teatro Real como el Tenor italiano de Der Rosenkavalier (El Caballero de la Rosa) y, siguió con numerosas representaciones operísticas y de zarzuela. En el Teatro de la Zarzuela lo pudimos oír en La del soto del Parral, La chulapona y Marina.

  • Es un orgullo pertenecer a este elenco maravillosa y vamos a hacer historia mundial del estreno de Juan José. Muy contento de estar aquí, y confirmo todo lo que se ha dicho con respecto a la obra y la partitura.

RUBÉN AMORETTI:
ESTO NO LO CANTO YO NI LOCO

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    RUBÉN AMORETTI 
FOTO: www.madridteatro.net

Rubén Amoretti (Burgos) ha participado en las versiones de Black, el payaso, Marina, El Gato Montés y Carmen del Teatro de la Zarzuela. Esta temporada hará su debut en el Metropolitan de Nueva York con L'italiana in Algeri. En Juan José interpreta a Andrés, amigo de Juan José.

  • Cuando escuché la música, contrariamente al maestro José Carlos Plaza,  me dije "Esto no lo canto yo ni loco". No tanto por la dificultad musical, que existe, sino por la oscuridad de mi personaje, sino por los textos y las escenas tan horribles en las que me veo obligado de interpretar. Al final lo agradezco, al Teatro por haberme invitado de nuevo. Andrés es un personaje duro, oscuro, decepcionado de la vida, seguramente porque lo pasó muy mal. Esta frustración la paga con las mujeres en general, y muy en particular con la suya propia. Me ha costado mucho entrar en el personaje. Yo la había enfocado más desde un punto de vista humorístico, porque la música me lo dejaba entrever, pero el maestro Plaza no estaba muy de acuerdo, y, gracias a él, he podido entrar en lo que el personaje pide. Hay muchísimas frases que denotan el carácter de este personaje. Por decir una. Entra en escena y ve a Juan José que está pegando a su mujer Rosa, y lo único que se le ocurre decir, riendo, es:"¿Qué? Ha habido leña ¿no? ¡Ea!, hombre no pasa nada. Ha habido solfa. Venga, hombre, vamos pa casa". O sea  es un personaje difícil de interpretar, en este sentido, y musicalmente también. Agradezco al maestro la ayuda que nos ha prestado musicalmente a todos y la paciencia que ha tenido durante todos los ensayos. He intentado estar al nivel de mis compañeros y de la producción, en general.

MILAGROS MARTÍN:
UN RETO VOCAL, MUSICAL Y ACTORAL

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MILAGROS MARTÍN 
FOTO: www.madridteatro.net
   

La mezzosoprano Milagros Martín es habitual en las producciones del Teatro de la Zarzuela, cuyas últimas interpretaciones han sido ¡Ay, Amor!, Curro Vargas y La dogaresa (CLIKEAR). Interpreta a Isidra.  

  • Normalmente nunca vengo a las ruedas pues me pilla a muchos kilómetros de mi casa, pero, en esta ocasión, merecía la pena. Es algo especial. En esta obra no hay ni buenos ni malos, sino que son víctimas de una sociedad. Son antihéroes, como ha dicho Plaza. Es una crítica muy fuerte a la sociedad. Desgraciadamente esto pasaba en el siglo XIX, pero sigue pasando actualmente. Para esta temporada me ofrecían El año pasado por agua y dije "Quiero algo distinto", para que no me encasillen haciendo siempre los mismos papeles. Cuando me enteré que Juan José lo iba a dirigir José Carlos Plaza y el maestro musical Gómez Martínez, me dije "Tengo que estar en este evento". Para mí es un reto vocal, musical y actoral. Tengo que poner voz de frío, de aguardentosa, voz de susurro y que se me oiga. El personaje es una alcahueta, procedente del lumpen. Somos supervivientes y, por lo tanto, capaces de cualquier cosa y hasta de vendernos a nosotros mismos por un par de monedas. Es una satisfacción el poder realizar este otro tipo de trabajo que nunca había tenido entre manos. Es un reto y me siento orgullosa de poder estar en este equipo maravilloso.

IVO STANCHEV:
MI PERSONAJES ES LA LLAVE
DE TODA LA FUNCIÓN

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    IVO STANCHEV
FOTO: www.madridteatro.net

El bajo Ivo Stanchev (Sofía, Bulgaria) interpreta a Cano. Su repertorio es fundamentalmente operístico y de música sacra ortodoxa. En el Teatro Real (Sala Gayarre) ha interpretado a Stepán en El casamiento de Musorgski (2007 y 2008) así como en la producción de Der Rosenkavalier (2010) y en la de Roberto Devereux (2013) ,en versión de concierto. En el Teatro de la Zarzuela fue Zabulón en La Dogaresa.  

  • Es un orgullo y estoy muy agradecido de poder participar por segunda vez en el Teatro de la Zarzuela. Mi personaje es un ser que mientras está persiguiendo sus fines está haciendo bien, al mismo tiempo que está haciendo mal. De hecho  mientras está haciendo mal, está haciendo bien. Al final resulta es la llave de toda la función, porque provoca el desenlace de la ópera.

RICARDO MUÑIZ:
EN EL 1979 ESTABA CUANDO SOROZABAL DIJO
ESTO NO SE VA A ESTRENAR.

El tenor Ricardo Muñiz (Madrid) se presenta como

  • ya muchos me conocéis porque tengo más años que la tos y los magnetos. Quiero decir que en el 1979 sí estaba con el maestro Sorozábal cuando se iba a estrenar esta obra.  Yo estaba en el coro e iba a hacer unos de los personajes que salían con el  tenor, el personaje de Paco. Estaba presente cuando llegó el maestro Sorozábal y dijo: "Esto no se va a estrenar" Cerró la partitura y se marchó. Esta anécdota me encanta decirla, pues yo soy de los sobrevivientes del 79. Me alegro ahora estar aquí. Sobre la obra todo lo que han dicho mis compañeros está más que explicada.

Ricardo interpreta al tabernero. Debutó en el Teatro de la Zarzuela con La Dolorosa y en su repertorio tiene un amplio curriculum de zarzuelas con varias incursiones en el mundo operístico. Tiene el Premio Federico Romero al mejor intérprete de zarzuela. En el Teatro de la Zarzuela ha participado recientemente en La del manojo de Rosas, Los diamantes de la Corona y Los dos ciegos  (CLIKEAR) para el Proyecto pedagógico.

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RICARDO MUÑIZ
FOTO: www.madridteatro.net
   

Enrique Marty, autor de la pinturas, tiene la curiosidad de porqué Sorozábal no quiso estrenar la primera vez. Ricardo Muñiz alude a la rumorología del momento y posteriormente.

  • Se han dicho tantas cosas que yo respeto. Cada uno tiene una teoría y no puedo decir nada concreto. No puedo, ni debo. Sé que llegó, cerró y dijo: "Señores, esto no se estrena". Le estoy viendo. Entonces se hizo La del Soto del Parral en cuatro días con  Enrique del Portal, ´Tomás Álvarez, María Elena Barandalla, Jesús Castejón, Rafael Castejón… Decían que era una cosa política. Ya sabéis que el Maestro era el Maestro, y decían que quería publicar algo, pero son cosas que se rumoreaban, pero yo no lo sé. 

NO MODERNIZAR LAS OBRAS,
PORQUE LAS MINIMIZA

Un interrogante es si esta obra se ha podido ambientar a nivel de vestuario y escenografía a la época actual, algo que se repite mucho en todos los ámbitos teatrales.  José Carlos Plaza y su equipo mantiene la línea de

  • no modernizarla, porque las minimiza. Esta es una opinión personal. Respeto a todos directores y sobre todo el esfuerzo por trasladar de una función a otra  época, porque es un esfuerzo enorme. A veces nos equivocamos y otras no. Yo no lo hago porque es mejor encontrar un término medio.  Por ejemplo, en el espectáculo hay un candil y hay un brasero, pero el clima no es un realismo del siglo XIX.  Hay una combinación que nos ha funcionado, como nos funcionó en El gato Montés (CLIKEAR). Nosotros buscamos una gran llave que una épocas.  

Aeste respecto de las actualizaciones, Ángel Ódena advierte que una de las dificultades es

  • el problema del texto. Si te modernizan algo y dicen algo del texto que nada tiene que ver con lo que está pasando, eso ya no te lo crees. Lo que sí pasa aquí es que todo lo que estamos diciendo ocurre. Lo de menos es cómo te vistan, lo importante es que lo que yo diga tenga un sentido. Me ha pasado en producciones que lo que digo no tiene ningún sentido con lo que estoy diciendo. Me crea un cruce de cables total e imagino, al espectador.  
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SILVIA VÁZQUEZ
 
 LORENZO MONCLOA
FOTOS: www.madridteatro.net
NÉSTOR LOSÁN

POCAS FUNCIONES PORQUE
EN ESTE MOMENTO ES MUY DIFÍCIL UN DOBLE REPARTO

La obra no está en cartel muchos días y así ya lo había programado Paolo Pinamonti, el anterior director artístico. Algunas razones que se pueden vislumbrar es que en opinión de Daniel Bianco

  • es muy fácil llenar el teatro con zarzuelas u óperas que sabemos tienen éxito de antemano, y supongo que esto lo consideraba Pinamonti. Si se hicieran más funciones debería tener doble reparto, y, en este momento, es muy difícil encontrar un doble reparto para esta obra.

HA SIDO UN ESFUERZO DE TODO EL TEATRO
Y CUANTO MÁS LO PODAMOS MOSTRAR MEJOR

Una posible gira está descartada en cuanto al término gira, ya que en opinión de Daniel Bianco los teatros líricos no van de gira.

  • Va de gira la Scala cuando hace toda una "tourné" por Japón. Esta es una producción que ya he hablado con algunos teatros para que se interesaran. Tenemos que ver cómo va el estreno. De todos modos eso de que el Teatro de la Zarzuela va de gira, no lo voy a hacer. Ni es real hacerlo, pues no se puede no con los convenios, ni con los dineros, pero las Producciones sí pueden ir. Se alquilan las producciones, como sucede con el Teatro Real. Yo vengo de un teatro muchísimo más modesto y pequeño como es el Teatro Arriaga de Bilbao, y nuestras producciones han ido a Lausanne, a Madrid y a Barcelona, pero no de gira. Estamos en ello, porque a la gente que hacemos teatro no nos gusta que esto quede aquí. Sólo son siete funciones, y aunque fueran veinte. Ha sido un esfuerzo de todo el teatro y cuanto más lo podamos mostrar mejor. Programar una producción nueva es la suma de los esfuerzos de toda la gente que trabaja en la casa.   
  • Como es nuevo no sabremos cómo funciona hasta el estreno y como mucho en el ensayo general- advierte José Carlos

De momento no hay posibilidad de que se grabe en televisión y Daniel Bianco lanza el ofrecimiento a los directivos de televisón.

  • Los invito para que, al menos, vengan a disfrutarlo. Una vez que lo disfruten es más fácil de hablar.

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(1)

Teatro de la Comedia (Estreno, 1895). Intérpretes: Emilio Thuillier (Juan José), Juana Martínez (Rosa), Andrés Amato (Paco), José Vallés, Nieves Suárez (Toñuela).
Teatro Español, Madrid, 1936. Intérpretes: Manuel Dicenta (Juan José), Ana Adamuz.
Teatro Cómico, Madrid, 1948. Intérpretes: Manuel Dicenta (Juan José), Pilar Muñoz (Rosa), Elena Salvador (Toñuela), Miguel Ángel, Luisa Cano.
Televisión (en el espacio Teatro en la segunda cadena, de TVE, 1980). Intérpretes: Daniel Dicenta, (Juan José), La Contrahecha (Rosa), Mara Goyanes, Nicolás Dueñas, Paco Marsó, José Caride, Valentín Paredes, Fernando Sánchez Polack, Jesús Enguita, Mariano Venancio. Dirección y Realización: Francisco Montolio

 


José Ramón Díaz Sande
Copyright©diazsande

 

 

 

Última actualización el Lunes, 08 de Febrero de 2016 22:01
 
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