TEMPORADA 2020/21 DEL TEATRO REAL    FOTO: JAVIER DEL REAL

UN PRIMER PASO HACIA LA NORMALIDAD

	JOAN MATABOSCH VIDEO TEATRO REAL

Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, califica esta rueda de prensa como un primer paso hacia la normalidad. Además de la presencia periodística y el gerente del Teatro Ignacio García-Belenguer, se cuenta con los directores musicales Ivor Bolton, director titular del Teatro, y Pablo Heras Casado, director de la tetralogía wagneriana que ha comenzado hace unos años. 

El Covid19 permitió que La Walquiria (CLIKEAR) subiera  al escenario y fue la última. Le seguía  Achille in Sciro (CLIKEAR), pero el Covid19 le dio un portazo Cancelación de Aquiles y Lear, T. Real  (CLIKEAR). Se intentó representarla a puerta cerrada y retransmitirla en My Opera Player (CLIKEAR). Todo quedó en una ilusión. Ahora la ilusión se ha hecho realidad, y la Temporada 2020/21 Joan Matabosch la describe como una temporada llena de novedades:

Primero un 47% de la óperas se presentan por vez primera en el Teatro Real. Apuesta fuerte por abrirnos a lo nuevo. Hay 7 novedades de las 15 óperas. Al mismo tiempo es un auténtico Festival de lo más popular, porque hay títulos de  lo más populares del repertorio.
Lo segundo a destacar son las nuevas producciones y el prestigio de os directores de escena  y de los teatros y sus producciones. Muchas de estas nuevas producciones se van a estrenar en Madrid y las va a liderar el Teatro Real.
Lo tercero la excelencia de los artistas invitados: los directores de orquesta y los cantantes.

PROGRAMACIÓN ÓPERA

SIETE NUEVAS PRODUCCIONES DEL TEATRO REAL
Y DOS ESTRENOS ABSOLUTOS

PETER GRIMES
ACONTECIMIENTO MAYÚSCULO

Música: Benjamin Britten
Director musical: Ivor Bolton
Director de escénica: Deborah Warner
Escenografía: Michael Levine
Solistas: Allan Clayton, Maria Bengtsson y Christopher Purves…

Peter Grimes cuenta con el mismo equipo de la premiada producción Billy Budd (CLIKEAR)y Joan Matabosch lo califica de acontecimiento mayúsculo porque

va a ser la primera vez que el Teatro Real la produzca. La única vez que se hizo fue con una compañía invitada en la temporada en la que se reabrió el Teatro. En segundo lugar es porque el equipo artístico es imponente: el mismo equipo del enero de 2017 de Billy Budd que tuvo el éxito impresionante y el reconocimiento internacional espectacular. Tuvo todos los premios imaginables en 2017.  El reparto es colosal. En tercer lugar porque va a ser el estreno una producción del Teatro Real que vamos a realizar con los teatros más importantes del mundo. Se estrena en Madrid y se presentará en la Royal Opera House, Covent Garden de Londres, La Ópera Nacional de París y en la Ópera de Roma. Cuenta, pues, con los teatros más importantes del mundo y viene liderada por el teatro Real.

La valoración de Joan sobre Peter Grimes es el ser

una obra sobrecogedora. Una de las grandes óperas de toda la historia de la ópera sobre un tema que tiñe temáticamente toda la temporada. Cuando le preguntaron a Benjamin Britten por qué se había interesado en un personaje como el de Peter Grimes, contestó que quería reaccionar contra la plaga de que “la gente piense casi lo mismo de las cosas. Estoy interesado en la gente que no piensa lo mismo. Muchas de las grandes cosas del mundo tienen su origen en el intruso, el perro solitario, y ese perro solitario o intruso no siempre es atractivo. Esto es lo que intento retratar en Peter Grimes”

El tenor Peter Pears quien estrenó a este personaje el 7 de junio de 1945 (Teatro Sadler's Wells) y, según Joan,

Britten compuso el papel para Peter Pears e hizo muchos comentarios sobre el personaje y la obra. Peter Pears, dice: "desde la primera escena sabemos que Peter Grimes no tiene el alma de un asesino. La única manera de escapar de la miseria de su condición y de justificarse ante los ojos del pueblo es ganar dinero y convertirse en alguien respetable. Sufre todo el desprecio de los habitantes del pueblo, pero, al mismo tiempo, desea ardientemente asimilarse a ellos. Es, sin duda, una persona débil enemistado con la sociedad que le toca vivir, pero intenta, pese a todo, triunfar según sus códigos sociales". Peter Pears concluye: "existen muchos hombres como Peter Grimes entre nosotros".

De la misma opinión es el músico y escritor británico Hans Keller (nacido en Austria):

“en cada uno de nosotros hay algo de Peter Grimes, aunque la mayoría haya logrado externalizarlo lo suficiente como para no reconocerlo demasiado conscientemente, pero lo identificamos, y a nosotros con él, inconscientemente”.

Para Joan no se trata de un héroe romántico, ni siquiera es un hombre de una sola pieza, absorto como está en sus propias contradicciones.

Peter Grimes es un desheredado social pobre, huraño, orgulloso, reservado, temeroso, desconfiado, atormentado, marginal, asocial, ambicioso, impaciente, frustrado, solitario e introvertido, finalmente suicida, con aspectos luminosos y también oscuros, como cualquiera. Es un hombre que "no encaja”. Esta obra maestra habla del poder destructivo de una sociedad hipócrita e inclemente.

La exclusión social es el tema de la ópera y de otras óperas programadas, así como de otras artes.

ACTIVIDADES PARALELAS EN TORNO A PETER GRIMES
Ciclo de Cine en el Teatro Real: Ópera en Cine: Billy Budd (CLIKEAR) y Gloriana (CLIKEAR)
Museo Nacional de Escultura: Exposición "Figuras de la exclusión sobre los que vivieron en los márgenes de la sociedad", los Peter Grimes desde el siglo de  oro hasta la actualidad.

LESSONS IN LOVE AND VIOLENCE
LO INTOLERABLE ES EL AMOR EN SÍ MISMO.

Música: George Benjamin
Dramaturgia: Martin Crimp (a partir del drama isabelino Edward II, de Christopher Marlowe)
Coproducción: Teatro Real con las Óperas de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, Chicago y Barcelona
Solistas: Stéphane Degout, Gyula Orendt y Georgia Jarman.
Directora de escena: Katie Mitchell
Director musical: Josep Pons
Escenografía: Vicki Mortimer

Joan Matabosh la califica de grandísimo acontecimiento porque principalmente es

Primero una ópera excepcional. Se estrenó en 2018 y en casi dos años se ha convertido en una de las grandes óperas del repertorio contemporáneo. Es casi ya un auténtico clásico. En segundo lugar porque el Teatro Real ha estado detrás del proyecto desde los inicios de su gestación. Es una ópera encargada por el Teatro Real, Covent Graden de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, el Liceo de Barcelona y la Lírica Ópera de  Chicago.

En la puesta en escena debuta en el Teatro Real Katie Mitchell a la que Joan considera de muy importante, a la que considera como una de las grandes directoras del momento.

Aprovecho para destacar que vamos a tener esta temporada a las dos grandes directoras del teatro inglés: Deborah Warner y Katie Mitchell.

En tercer lugar destaca que con esta ópera el Teatro Real ha estrenado las tres óperas que  George Benjamin ha compuesto hasta ahora: Written on Skin (2016) (CLIKEAR), e Into the Little Hill (2019) (CLIKEAR) en colaboración con los Teatros del Canal.

La ópera está basada en un texto deChristopher Marlowe, Eduardo II, que Lluis Pasqual, siendo director del Centro Dramático Nacional, estrenó en Madrid en el Teatro María Guerrero y que Joan valora como una puesta en escena increíble. Un primerizo Antonio Banderas interpretaba uno de los personajes. Martin Crimp adapta el texto

cambiando totalmente  la perspectiva. Ya no es un drama isabelino canónico, sino que toda la trama está vista desde la perspectiva desde el punto de vista del primogénito de Eduardo que va a ser el futuro joven monarca. Presencia toda la trama como una lección para el futuro, par el momento en que va a tener  que asumir el gobierno. Ejercerá el poder ya no como una marioneta de otros por la lucha del poder, sino como quien ha aprendido las maquinaciones del Estado. Ha aprendido que la violencia permite conseguir fines personales y políticos, pro, también, ha aprendido que la violencia puede volverse en contra de quien la ejerce, porque quien desafía los principios de su poder, termina víctima de éste. La obra se resume en su primera frase que es tremenda: "No tiene nada que ver con amar a un hombre. Es el hecho de  amar lo que es un veneno". El Rey está enamorado de un hombre, el apuesto Gaveston. Esto es indiferente. Lo que no puede permitirse el Rey, si quiere hacer de Rey, es estar enamorado. El hecho de estar enamorado de amares lo que es un veneno para tomar decisiones de Estado, lo que es, en sí mismo,  Una irresponsabilidad. "El amor - dice la obra - es una debilidad que no puede permitirse un hombre de estado" porque va a implicar desatender asuntos de gobierno; va a implicar a tomar decisiones conducidas por sentimientos ajenos al bien común; rechazar consejos que no se ajusten al propio gusto como para en la primera escena de  la obra; ver actos oscuros de traición inexistentes entre sus súbditos. El estar enamorado es indiferente, aunque sorprendente tratándose de un texto del siglo XVI, pero en la obra de Marlowe y la ópera  de Benjamin este no es el tema central. Lo intolerable es el amor en sí mismo.       

El título alude a "Lecciones", pero Joan precisa que no son para el público sino para los personajes de la propia obra.

La formación va a consistir en presenciara las crueldades y las torturas que los adultos infringen entre ellos. Por eso es tan magnífica la idea del espacio escénico de la puesta en escena de Katie Mitchell. La dirección musical es Josep Pons, el director del Liceo. Es una magnífica colaboración entre el Teatro Real y el Liceo. El reparto es maravilloso.

ACTIVIDADES PARALELAS
Museo Thyssen en torno al cuadro de Francis Bacon, que forma parte de la colección de la Tyhsen: Retrato de George Dyer en un espejo. Es un cuadro que aparece explícitamente en la escenografía de Vicki Mortimer. Otro cuadro de Bacon que también aparece es de la serie de los retratos papales sobre los riesgos del poder.

RUSALKA

Música: Antonin Dvořák
Libreto: Jaroslav Kvapil
Coproducción: Poera deDresden, Teatro Comunale de Bolonia, el Liceo de  Barcelona, Palau de les Arts de Valencia.
Solistas (Dos repartos): Asmik Grigorian y Olesya Golovneva, que estarán acompañadas por Karita Mattila y Alexandra Deshorties; Eric Cutler y David Butt Philip; Katarina Dalayman y Okka von der Damerau, Maxim Kuzmin-Karavaev y Steven Humes.
Director de escena: Christof Loy
Director musical: Ivor Bolton  

Joan presenta a Rusalka (basada en La Sirenita de Andersen y en La Campana Sumergida de Gerhart Hauptman) como otra novedad tanto por la propia obra, como haber estado ausente del Teatro Real durante casi un silo entero. La obra se estrenó en el Teatro Nacional de Praga en 1901. Llegó al Teatro Real en 1924 dirigida escénicamente por su libretista Jaroslav Kvapil, director y dramaturgo del Teatro Nacional de Praga en aquellos años.

Triunfó en Madrid y es incomprensible su abandono. Es la obra más conocida, más querida de todo el teatro lírico checo y es una de esas lagunas sorprendentes del Teatro Real y que vamos a  subsanar con una nueva producción que dirige musicalmente Ivor Bolton y con la dirección de escena de Christof Loy, artífice del gran triunfo de Capriccio (CLIKEAR), de Richard Strauss, la pasada temporada.

La obra tiene como protagonista una Ondina que por amor decide adoptar la naturaleza humana y tendrá que  padecer muy cruelmente el no pertenecer a ningunos de los dos mundos: el acuático y el humano.

Es una maravilla de obra. Aunque es explicada como un cuento de hadas, pues aparece un universo mítico y misterioso teñido de trágicas resonancias y poblado por ninfas, duendes, príncipes y princesas que entonan bellas melodías, no hay que engañarse pues tiene potentísimos lazos con el mundo del simbolismo, de psiquiatría y, aunque parezca increíble, con el mundo del realismo.  

Igor Bolton se encarga de la dirección musical de Peter Grimes y de Rusalka, obra que parece tener ciertos  puntos comunes a nivel orquestal.       IGOR BOLTON VIDEO TEATRO REAL Dvořák nos ha legado en los últimos tiempos los grandes éxitos de toda su carrera. En concreto Rusalka es una  de tres mejores óperas checas de todos los tiempos junto a Leoš Janáček. En Dvořákse ve una gran influenciade Wagner y esto se refleja en la técnica de la composición musical de Rusalka y muy específicamente en los últimos 12 minutos, que muchos comentaristas piensa que pueden ser los más bellos minutos de cualquier ópera jamás compuesta. Rusalka forma parte de esta gran década de esplendor musical de Dvořák, y curiosamente, aunque él admiraba a Wagner, fue apoyado mucho por Brams  que le apoyó en su época de juventud. Dentro del canon operístico cheko,  Rusalka se diferencia mucho de otros autores como Bedřich Smetana, que estaban obsesionados por los aspectos folkloristas y nacionalistas en su libretos. En Rusalka, en cambio, nos encontramos con un tema fantástico que supone un cambio radical con respecto al canon típico cheko. Vemos también otros muchos recursos ingeniosos que afectan al aspecto dramatúrgico. Obviamente se trata de una  Ondina que no puede hablar. Además de los maravilloso momentos musical del final, ya al final del primer acto en el dueto de amor entre el Príncipe y Rusalka  no puede ser un dueto de amor pues se trata de una Ondina. Hay un fraseo musical muy ingenioso en el Príncipe y también vemos la influencia wagneriana por el uso de los Leiv motiv que ya aparece como elemento vinculador en la ópera Peter Grames. Y aquí hay un punto de común entre ambas. Este no poder hablar, en principio es incompatible con el mundo de la ópera. Tal imposibilidad, subraya Joan es lo que transmite Rusalka: la incompatibilidad de esos dos mundos, lo acuático y el mundo de los humanos. Rusalka va a ser una extranjera, una "outsider" tanto en su propio mundo como en el que aspira a integrarse.   Igor recuerda que Peter Grimes cuenta con el mayor número de representaciones, excluyendo a Puccini y a Straus. El estreno de Peter Grimes en 1945 fue una base fundamental para la introducción de Benjamin Briten en el repertorio operístico. La diversidad de producción de esta ópera, algunas controvertidas que resaltaban unos u otros aspectos en función de la dirección artística incidiendo, a veces, en la homosexualidad del personaje, yo me quedo con una frase concreta que explica muy bien el carácter del personaje, y es que un individuo puede ser lo malo según lo perversa  que sea la sociedad en la que está. Cuanto más perversa es la sociedad, más perverso puede llegar a ser el individuo. En este sentido aunque el personaje pueda provocarnos cierta simpatía, también tiene ese lado brutal que responde a esa brutalidad con la que él se encuentra. El origen de este relato parte de un exiliado pacifista que huyó de la Segunda Guerra Mundial. Este estreno en Inglaterra puede constituir una de las mayores veladas operísticas de la historia de la ópera inglesa, dentro de que la ópera inglesa no tiene una gran  historia. En Peter Grames hay que  recordar los interludios marinos maravilloso que crean la atmósfera necesaria para las escenas siguientes pero que se han convertido en piezas famosas por derecho  propio.      Igor Bolton ante el entusiasmo de Joan Matabosch por George  Benjamin (Lessons In Love And Violence) añade que tras haber estudiado con él recuerda la gran brillantez y la inmensa memoria que tenía pudiendo recordar de  memoria Peleas y Melisandre de principio a fin. Era una persona igual de  prudente que talentosa. Baste decir que para entrar en la Universidad de Cambridge las  referencias que tuvo fueron las de Britten y las de Olivier Messiaen (1908 -1992). Esto demuestra la inmensa brillantez de George Benjamin.

DVOŘÁK  EN LOS DOMINGOS DE CÁMARA
En los Domingos de Cámara se interpretaran conciertos que contendrán una obra de Dvořák por un solista titular del Teatro Real. También se divulgarán las óperas de Cámara de Dvořák.

ACTIVIDADES PARALELAS
En las Actividades Paralelas el Centro Checo de Cultura va a organizar una serie de actividades. El Museo Arqueológico Nacional tendrá también una serie de actividades. 

VIVA LA MAMMA!

	VIVA LA MAMMA! FOTO: STOFLETH
	VIVA LA MAMMA! FOTO: STOFLETH

Música: Gaetano Donizetti
Libreto:Domenico Gilardoni
Solistas: Carlos Álvarez y Luis Cansino, al frente de ambos repartos; Sabina Puértolas, Borja Quiza, Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz, Xabier Anduaga, Carol García y Enric Martínez-Castignani. 
Director de escena:Laurent Pelly
Director musical: Evelino Pidò y José Pérez Sierra

Joan habla de Viva la mamma! como otra novedad del Teatro Real en la gran tradición de la ópera bufa. Donizetti la compuso en 1831 con la particularidad de ser una ópera sobre la ópera. La trama es el ensayo de una ópera en clave superparódica.

Hay que precisar que la realidad del mundo de la ópera no es tan superparódica. Los personajes sintetizan ese ambiente de mezquindad, vanidad y celos tratados con muchísimo sentido del humor: una prima-donna egocéntrica, su marido que  es un personaje completamente ridículo; una seconda donna soprano pero con un papel más pequeño; la insufrible madre de la seconda-donna, Mamma Agata, que acompaña a su niña a todos los ensayos; un primo-tenore alemán que no se aclara cuando tiene que cantar en italiano; el director de orquesta, el poeta, el empresario que están desesperados porque la situación se les va yendo de las manos.   

La puesta en escena de Laurent Pelly, aclamada por público y crítica desde su estreno, es una especie de "flash-back" que transcurre en un Parking, que descubriremos que había sido un maravilloso teatro de provincias, destruido y convertido en un Parking. De este modo más allá del divertimento

la ópera se convierte en un muy entrañable homenaje al teatro y en un alegato contra la destrucción de la cultura. Una defensa del arte y el teatro. Es increíble cómo una obra  que originariamente quería ser un gran divertimento se ha convertido en algo tremendamente relevante. En este momento con todos los teatro de Europa y más allá cerrados y con situaciones muy complicadas (por el Covid19) necesitamos hacer esa reflexión que nos propone la obra y hacerla con esa misma capacidad de sentir hoy el humor nada reñido con que detrás de eso hay una reflexión muy profunda.

Cabe destacar que esa Mamma Agata, autoritaria y que  da instrucciones al director musical cómo orquestar las arias de su hija (la seconda-donna) para que pueda lucirse más y si es posible hundir en la miseria a la pobre   prima-donna. Para ese personaje Donizetti

compone muy perversamente, para una tesitura de barítono. Lo convierte en un vehículo sensacional para un artista que tenga sentido del humor  de meterse en un papel travestido como se da en el caso de Carlos Álvarez, acompañado magistralmente por un reparto de grandísimos cantantes españoles.  

DOS ESTRENOS ABSOLUTOSEN COLABORACIÓN CON
EL TEATRO DE  LA ABADÍA (Carlos Aladro, director del teatro)
Y LAS NAVES DEL MATADERO (Natalia Menéndez, directora del teatro)

Novedades son también  dos estrenos de compositores españoles de distintas generaciones reafirman el compromiso del Teatro Real con la creación actual: Marie, de Germán Alonso y Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres

MARIE

Música: Germán Alonso
Libreto y dramaturgia: Lola Blasco
Solistas: Xavier Sabata, Jordi Domènech, Nicole Beller Carbone y Valentina Coladonato,
Conjunto: Ensemble Proyecto Ocnos
Director de escena: Rafael Villalobos
Director musical: Germán Alonso.
Teatro de la Abadía

Es la historia del Woyzeck (CLIKEAR) de Georg Büchner, pero desde la perspectiva de Marie, la mujer asesinada por su amante. Indaga sobre la lucha de una mujer por su libertad sexual.

TRÁNSITO

Música y libreto: Jesús Torres
Escenógrafa: Carolina González
Figurinista: Lorenzo Caprile
Solistas: Lydia Vinyes-Curtis, Isaac Galán, María Miró, Javier Franco y José Manuel Sánchez
Orquesta Titular del Teatro Real.
Director de escena: Eduardo Vasco
Director musical: Jordi Francés,
Naves del Matadero

Se basa en un texto de Max Aub sobre el exilio republicano español de 1939.

No es realmente un libreto. Lo que ha hecho Jesús Torres es poner música al texto original de  Max Aub , acerca de la disyuntiva de volver a casa o buscar  acomodo en algún lugar: ¿intentarlo en España o en México?  

ACTIVIDADES PARALELAS
Lecturas dramatizadas de textos de Max Aub sobre el exilio, organizadas por el Círculo de Bellas Artes.

TÍTULOS DE REPERTORIO

UN BALLO IN MASCHERA

	UN BALLO IN MASCHERA FOTO: MICHELE CROSERA

Música: Giuseppe Verdi
Libreto: Antonio Somma
Solistas: Michael Fabiano, Ramón Vargas, Anna Pirozzi, Tatiana Serjan, Artur Rucinski, George Petean, Daniela Barcellona, María José Montiel, Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí.
Producción: Teatro de la Fenice
Coproducicón en España: Teatro Real y Teatro de la Maestranza de Sevilla
Director de escena: Gianmaria Aliverta
Director musical: Nicola Luisotti (principal director invitado)

El Teatro Real abre temporada con Un Ballo in Maschera, una de las óperas más atacada por la  censura de todo el catálogo de Verdi, quien rechazó las imposiciones de la censura napolitana e incluso canceló su compromiso de componer la ópera para el Teatro San Carlo de Nápoles, que la había pedido.

Los censores suavizaron algunas de sus imposiciones y finalmente Verdi cedió concediendo que la acción transcurriera en un país fuera de Europa, concretamente en Boston unos años antes de la Guerra de  Independencia Americana. La historia original era una historia de la corte de Gustavo de Suecia. El reparto es fabuloso. A destacar que esta producción del Teatro La Fenice va a ser una colaboración del Teatro Real con el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Algunos musicólogos califican Un ballo in maschera como el Don Giovanni de Verdi. Según Joan tiene su sentido porque es

menos una tragedia romántica que una comedia siniestra, casi teñida de negro y porque es casi mozartiana por la facilidad con que Verdi logra fundir ambientes extremos: trágicos y festivos en un armazón casi clásico, pasando de uno a otro sin la menor incongruencia, como hace Mozart con Don Giovanni. El caso es que las dos obras van muy bien de la mano. De la mano van a ir en la temporada con el Don Giovanni de Mozart.

UN BALLO IN MASCHERA FOTO: MICHELE CROSERA	UN BALLO IN MASCHERA FOTO: MICHELE CROSERA

DON GIOVANNI

Música: Wolfgang Amadeus Mozart
Solistas (dos repartos): Christopher Maltman y Adrian Erod; Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno; Mauro Peter y Airam Hernández; Anett Fritsch y Federica Lombardi; Erwin Schrott y Marko Mimica
Director de escena: Claus Guth
Director musical: Ivor Bolton

Este Don Giovanni con puesta en escena de Claus Guth se estrenó en el Festival de Salzburgo y está considerado como  un auténtico clásico de la dramaturgia contemporánea y según Joan
una de las mejores producciones de  Claus Guth, del cual el Teatro Real ha presentados producciones fenomenales como la genial Rodelinda(CLIKEAR), que ha dado la vuelta al mundo, y el Parsifal (CLIKEAR) que presentamos hace algunas temporadas. Contamos con un reparto colosal. En este montaje don Giovanni asestado desde el inicio de la ópera por un golpe mortal, rememora, agonizante, los episodios de su vida disoluta en un ambiente tenebroso e inquietante.

ACTIVIDADES PARALELAS
Exposición Sobre El Mito de don Juan en la Biblioteca Nacional.

NORMA

Música: Vincenzo Bellini
Libreto: Felice Romani
Escenografía: Charles Edwards
Solistas: Yolanda Auyanet y Hibla Gerzmava, secundadas por Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa; Michael Spyres y John Osborn; y Roberto Tagliavini y Fernando Radó, en los papeles principales.
Director de escena: Justin Way
Director musical: Maurizio Benini

Es una nueva producción dirigida por el especialista en Bellini y lo ha demostrado la temporada 2019/2020 con Il Pirata (CLIKEAR) de  Bellini.
el objetivo del Teatro Real con Norma es un espectáculo concebido para salir de gira. Antes de que se estrene el Teatro Real ha sido ya invitado para que se lleve esta Norma al Festival de Ljubljana en Eslovenia en agosto y septiembre de 2021 en una gira del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.  Charles Edwards, ha concebido un montaje minimalista y de fuerte poder simbólico preparado para una fácil itinerancia. El Real pasará así a contar con una producción propia de esta ópera icónica del belcantismo romántico, con flexibilidad para ser adaptada a diferentes espacios En el Teatro Real va a ser con Yolanda Auyanet en el papel titular que, como sabéis, es una de las grandísima sopranos españolas del momento en uno de los grandes papeles de la ópera. No cabe duda que va a estar tan espectacular como estuvo en las funciones que hizo de Il Pirata (CLIKEAR) hace poco, junto a otros cantantes colosales. 

TOSCA

Música: Giacomo Puccini
Libreto: G. Giacosa, L. Illic ‎
Solistas (Tres repartos): Sondra Radvanovsky, Maria Agresta, Anna Netrebko, Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazof, Jonas Kaufmann, Carlos Álvarez y Luca Salsi
Director musical: Nicola Luisotti
Director de escena y escenografía: Paco Azorín

Se trata de una producción cuya característica fundamental es la de haber conseguido una puesta en escena de Paco Azorín en la cual
el drama pucciniano fluye de manera directa y eficaz dejando espacio a la expresión de los personajes, que serán encarnados por tres repartos de estrellas. 

SIEGFRIED

Música: Richard Wagner
Solistas: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler, Ricarda Merbeth y Ronnita Miller
Directores de escena: Robert Carsen y Patrick Kinmonth
Director musical: Pablo Heras-Casado

Siegfriedentra en el concepto repertorio aunque Joan Matabosch precisa que

la verdad es que se hace muy poco, salvo cuando está en el contexto de la tetralogía. En nuestro caso es la continuación de la tetralogía wagneriana que  ha dirigido Pablo Heras-Casado. Siegfried es una obra que Wagner interrumpió a la mitad convencido de que abandonaba el proyecto. De hecho en junio de 1857 Wagner escribía Franz Listz y le decía: "He conducido a mi joven Siegried a la bonita soledad de los bosques. Allí le he dejado bajo los tilos y con sentidas lágrimas me he despedido de él. Allí está mejor que en cualquier otro sitio". Se refiere al segundo acto de Siegfried. Durante 12 años Wagner abandonó la obra. Hizo otras cosas, que fueron nada menos que Tristan e Isolde y Los Maestros Cantores de Nuremberg. Finamente volvió a Siegfried y acabó la tetralogía.

Pablo Heras-Casado ha dirigido la tetralogía y el Covid19 se aposentó en Madrid, después de la representación de Walkiria (CLIKEAR)     PABLO HERAS-CASADO VIDEO TEATRO REAL Hace dos meses y medio me despedía sobre estas tablas - la rueda de prensa se desarrolla sobre el escenario del Teatro Real - y la última función del Teatro fue la última función de La Walkiria (CLIKEAR). En Sigfrido vemos el final de la ópera que podría ser el final de todo lo ocurrido (Covid19) y sería este tercer acto en Do mayor. Sobre  Sigfrido puede decirse que es la cenicienta de la tetralogía, pero por muchas razones es el núcleo de ella. Wagner empezó a componer el poema de El anillo de los Nibelungos desde la muerte de Sigfrido. Éste fue el núcleo y la motivación que tuvo. Así que empezó a escribir en sentido opuesto. Necesitó narrar las aventuras del joven Sigfrido y explicar su nacimiento. A todo esto añadió un prólogo que es El Oro de Rhin (CLIKEAR).Sigfrido es el héroe, el protagonista y todo ocurre en torno a este personaje: un héroe juvenil puro que no conoce el miedo y lo conoce finalmente en el último tercer acto glorioso y en la última escena donde despierta a la Brunilda que la dejamos dormida en ese fuego mágico. Llega Sigfrido y conoce el miedo a través del amor. Es una redención donde la diosa Brunilda sacrifica su deidad par amar a  Sigfrido y convertirse en mortal.            Según Pablo Heras-Casado, Wagner considera Siegfried como un precuela o como él mismo dice "un contrapunto cómico". Es una ópera que tiene muchas cualidades que la hacen ser una de las obras maestras de la literatura operística.  Quizás la fama de ser una ópera menos conocida y oscura,  es porque carece de los grandes momentos que tenemos en Walkiria (CLIKEAR), El ocaso de los dioses. El Simón Bocanegra de Verdi corre la misa suerte. Es fascinante,  y Verdi la consideraba como una de sus grandes óperas, pero no tiene una gran aria para un personaje espectacular, sino lo que cuenta es la narración y el papel de la orquesta.   SIEGFRIED FOTO: KLAUS LEFEBVRE     SIEGFRIED FOTO: KLAUS LEFEBVRE   En el caso de Siegfried, Pablo encuentra la música más ligera junto a la más  sublime. Es un Wagner  capaz de escribir música con un cariz cómico. Es la música más rápida y vivaz de toda la tetralogía de El anillo de los Nibelungos. Expresa el vigor juvenil del héroe y la falta de miedo y reflexión. Junto a esto están también los pasajes más maravillosos de descripción de  la naturaleza, que es un personaje esencial. El propio héroe Sigfrido nace en el bosque, en la cabaña, y todo su mundo es la naturaleza: los árboles, los ríos, las frondas y los animales. Está el clímax de de esta ópera que es la tercera escena del tercer acto, pero muchos lo consideran el clímax de toda la tetralogía: el dúo de amor maravilloso entre Brunilda y Sigfrido  El momento en que Sigfrido atraviesa el círculo de fuego es un momento orquestal de  los más increíbles que existen y el mencionado dúo de amor es uno de los momentos memorables de toda la historia de la ópera. Otro de los momentos que Pablo destaca es la escena de Mime (tenor ligero) y Sigfrido (tenor heroico) en el primer acto, cuando Sigfrido decide forjar la espada Nothung que le va a llevar a matar al dragón en el segundo acto. Con ello sentencia el declive de Wotan, pues se ha convertido en un vagabundo. Ha renunciado y tiene que esconderse en una vestimenta, donde Sigfrido, el héroe que buscaba, rompe su lanza de poder y a partir de aquí todos sabemos lo que sucede en el final de la tetralogía con El Ocaso de los dioses. Así pues Sigfrido es una ópera clave y esconde muchísimos momentos brillantísimos. El paso del tiempo de 12 años puede hacer pensar que algo ha podido cambiar en la música en cuanto a continuación de estilo con respecto al resto de la tetralogía. Según Pablo, cuando Wagner retoma está opera en el tercer acto evidentemente hay un aliento que  ha desarrollado mucho más en lo que considera la melodía continua inacabable que la lleva mucho más allá. Ya en Walkiria (CLIKEAR)encontrábamos muchísimo más cantable y muchísima más humanidad en el canto, y en Sigfrido lo lleva a límites maravillosos. Otro aspecto es lo que he mencionado como música ligera. La ha experimentado y trabajado en Los Maestros Cantores. Ya en el encuentro entre Mime y Sigfrido hay una música elegante y podríamos decir rococó, en un diálogo cortés. Luego Strauss con El Caballero de la Rosa desarrolla y sigue esto. También en el encuentro de Sigfrido y Wotan desarrolla este registro. Es una música vital que en este tercer acto consigue una cohesión total con lo que había escrito anteriormente a esos 12 años de parón. Lo que sí desarrolla más el peso orquestal como elemento narrativo. Es una escritura aún más sinfónica.

   ÓPERAS EN CONCIERTO 

Otro apartado son las óperas en concierto.

ELEKTRA

Música: Richard Strauss
Orquesta: Philharmonia Orchestra
Solistas: Irene Theorin, Lise Davidsen y Anna Larsson
Director musical: Esa-Pekka Salonen
Joan Matabosch destaca la dirección musical del célebre director finlandés Esa-Pekka Salonen, así como la impactante interpretación del trío femenino.

ÓPERA BARROCA 

La ópera barroca estará representada por dos propuestas muy diversas con cantantes y orquestas especializadas en ese repertorio: El nacimiento del Rey Sol, de corte francés,  y Orlando Furioso, de corte veneciano.

EL NACIMIENTO DEL REY SOL

Música: Varios compositores
Ballet: Le Ballet Royal de la Nuit
Recreación: Ensemble Correspondances
Dirección musical: Sébastien Daucé (clavecinista)

Fue, en su momento, una auténtica operación de Estado por el cardenal Mazarin, el primer ministro de la época y sucesor del cardenal Richelieu. Quería proclamar con la reunión de todas las artes el ascenso del Sol con el mismísimo monarca, Luis XIV, que tenía 15 años y participaba como bailarín. Mazarín había pedido a los artistas más relevantes de Francia e Italia que contribuyeran a esta especie de Oda al Monarca y que quería ser una declaración de intenciones política, institucional, estética y musical. Participaron los mejores compositores de la época. 

ORLANDO FURIOSO
Música: Antonio Vivaldi
Agrupación griega: Armonia Atenea
Director musical: George Petrou (experto en el barroco)

El segundo proyecto es de corte clásico veneciano de 1727: Orlando Furioso. Se estrena en el Teatro Real con uno de los grandes contratenores del momento: Max Emmanuel Chenchik. 

RECUPERACIÓN DEL REPERTORIO ESPAÑOL DON FERNANDO, EL EMPLAZADO Música: Valentín de Zubiaurre Revisión: Francesco Izzo (experto verdiano) y colaboración del ICCMU (Instituto Complutense de Ciencias Musicales) Solistas: José Bros, Miren Urbieta Vega, Damián del Castillo, Fernando Radó y Cristina Faus…  Director musical: José Miguel Pérez Sierra Don Fernando el emplazadoentra dentro del marco de la defensa del patrimonio musical español. Se trata de una ópera romántica que triunfó en el Teatro Real en el siglo XIX. Es una operación realmente importante  de recuperación del patrimonio musical español. Es seguramente la gran ópera del repertorio español. Se compuso en italiano como era habitual en la época y se estrenó con traducción castellana en 1871 en Teatro Alhambra de Madrid. Tuvo un gran éxito. En 1874 llegó al Teatro Real en su versión original en italiano e interpretada por uno de los grandes divos legendarios de la época: Enrico Tamberlick(tenor italiano). Su contrincante  era otro gran tenor italiano, Mario. La obra tiene una trama imposible y un potencial teatral nulo, pero musicalmente es una maravilla. Es una síntesis estupenda de los lenguajes musicales europeos de la época. Encarna ese momento de transición entre el mundo de Donizetti y Verdi; Meyerberg y Gounod, el cual era una auténtica novedad en aquel momento. Todo eso leído y recreado desde España con una forma de música española, pero creada a través de filtrar lo más tradicional de lo italiano y lo más avanzado de lo francés de esa época. Va a ser una recuperación importante liderada por Francesco Izzo, un musicólogo muy prestigioso a quien debemos la revisión de casi toda la obra de  Verdi. Se trata de una operación del Teatro Real con la colaboración del Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Es decir gracias a Álvaro Torrente (CLIKEAR). ACTIVIDADES PARALELAS Museo Arqueológico Nacional: Visita guiada sobre las pugnas medievales en los Reinos cristianos europeos.

DANZA 

La Danza trae al Teatro Real tres compañías que representan a diferentes universos coreográficos y estilísticos.

GISELLE
Versión: Peter Wright revisada por su actual director, Igor Zelensky
Compañía: Ballet de Múnich.

Es ballet clásico con la versión canónica. La temporada pasada fue una versión contemporánea (CLIKEAR) con Támara Rojo: Akram Khan's Giselle. English National Ballet  (CLIKEAR)V Ahora tenemos la versión original  

APOLLO, CONCERTO DSH, WHITE DARKNESS
Apollo, de George Balanchine
Concerto DSCH, de Alexei Ratmanski
White Darkness, de Nacho Duato.
Compañía Nacional De Danza

La Compañía Nacional de Danza presentará tres obras: Apollo, Concerto Dsh, White Darkness, acompañadas por la orquesta Titular del Teatro Real. 

IN MEMORIAM (Estreno absoluto)
Coreografía: Sidi Larbi Cherkaoui
Compañía: Real Ballet de Flandes
Estreno absoluto de una nueva versión de la obra In memoriam, concebida por su Director de la compañía: Sidi Larbi Cherkaoui. 

Joan Matabosch subraya que supone un gran acontecimiento. También con música en directo por el grupo vocal Afiletta. Se estrena en Madrid antes de estrenarla en la sede de  la compañía Belga. Es un ballet largo basado en un ballet corto anterior del propio Sidi Larbi, que había presentado en Montecarlo en 2004. 

CONCIERTOS 

VOCES DEL REAL 

El ciclo VOCES DEL REAL tendrá 5 conciertos: el primero será protagonizado por la versátil artista estadounidense Audra McDonald, siguiéndole Philippe Jaroussky (programa  dedicado a Vivaldi), Joyce DiDonato, Javier Camarena (progama centrado en Donizetti) y Piotr Beczala (programa centrado en grandes arias y escenas del repertorio operístico polaco).

DOMINGOS DE CÁMARA

Completan la programación musical el ciclo de 7 conciertos los DOMINGOS DE CÁMARA protagonizados por solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real; el Concierto de la Fundación Amigos del Teatro Real en conmemoración del 250º aniversario de Ludwig van Beethoven, en el que la Mahler Chamber Orchestra y el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, bajo la dirección de Gustavo Dudamel, interpretarán la arrebatadora 9ª Sinfonía; y el Concierto del Concurso tenor Viñas, protagonizado por los ganadores de su 58ª edición, junto a la Orquesta Titular del Teatro Real bajo la dirección de Álvaro Albiach.

EL REAL JUNIOR PROGRAMACIÓN INFANTIL Y JUVENIL Programación Temporada 2020/21 Conforman la programación infantil y juvenil de EL REAL JUNIOR 8 espectáculos de distintos formatos ─música, danza, cine, títeres, marionetas, teatro de sombras, cuentos musicales, etc.─ concebidos para diferentes edades, de los cuales 3 son producciones propias y 5 nuevas producciones que se verán por primera vez en el Teatro Real y un total de 83 funciones destinadas al público familiar y a centros escolares. LEER MÁS

Más información      Temporada 2020_21. El Real Junior.   José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

FOTO: BOGUSŁAW TRZECIAK Teatro Real Director: Joan Matabosch Plaza de oriente s/n 28013 – Madrid Tf. 91 516 06 60 Metro: Ópera, líneas 2 y 5 Ramal Ópera-Príncipe Pío Sol, líneas 1, 2 y 3 Autobuses: Líneas 3, 25 y 39 Parking: Plaza de Oriente Cuesta y Plaza de Santo Domingo Plaza mayor