Iphigenia en Tracia. Entrevista Imprimir
Escrito por José R. Díaz Sande   
Domingo, 13 de Noviembre de 2016 10:41

IPHIGENIA EN TRACIA
LA MÚSICA QUE SE VE

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 MARÍA BAYO
FOTO: JAVIER DEL REAL

Iphigenia en Tracia de José Nebra, con libreto de Nicolás González Martínez  es una zarzuela barroca de 1747. El argumento versa sobre un pasaje de la vida de Iphigenia, la hija de Agamenón y Clitemnestra, y hermana de Orestes y Electra. Eurípides fue quien inmortalizó esta historia en su obra Iphigenia en Taúride. A partir el argumento, además de Nebra, fue tocado, tres décadas más tarde, por Christoph Willibald Gluck en la ópera francesa Iphigénie en Tauride (1778) (CLIKEAR) - de la cual pudimos ver el 13 de enero de 2011 una versión en el Teatro Real de Madrid - y por Joan Wolfgang Goethe en el drama alemán Iphigenie auf Tauris (1779).

Orestes, ajusticia a los asesinos de su padre Agamenón. Las Erinias lo persiguen, y acude al santuario de Apolo en Delfos, para salvarse. La pitonisa, que es su hermana Ifigenia, le exige, como expiación, llevar a Atenas la imagen de Diana.

En la obra de José Nebra la acción se desarrolla en Tracia (península de los Balcanes), mientras que en el original es en Táuride (península de Crimea). La razón es muy sencilla, el libretista Nicolás González Martínez confundió ambas regiones. Un despiste de kilometraje.

IPHIGENIA RESUENA EN EL SIGLO XXI

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El Teatro de la Zarzuela estrena Iphigenia en Tracia a partir de la Edición crítica musical de José Máximo Leza Cruz. Según Daniel Bianco, director artístico del Teatro de la Zarzuela, se trata de una

  • partitura musical de una gran belleza musical, de un compositor que ha dedicado varias décadas al teatro musical, y una intensa dedicación a la composición de la música religiosa.

El traer esta zarzuela ahora, entra dentro del ciclo de zarzuela histórica. En mayo de 2013 ya pudimos ver en este mismo teatro Viento es la dicha de amor de José Nebra y dirigida por Andrés Lima (CLIKEAR). La temporada pasada, 2015, asistimos a una obra de Sebastián Durón, El imposible mayor en Amor, lo vence el amor (CLIKEAR) en una reconstrucción histórica de la época. Hay otra razón más personal por parte de Daniel Bianco

  • Hace muchos años que conozco a María Bayo- Iphigenia en esta versión -,  hace muchos años que trabajé con ella y hace muchos que me regaló un CD de zarzuela barroca, el cual no conocía y escuché mucho, sobre todo los sábados por la mañana. Había dos números que me fascinaban y cantaba María. Cuando llegó la oportunidad de programar esta temporada, cuya idea es programar para todos y abrir el abanico de la zarzuela, el género chico, la zarzuela barroca, la revista, he pensado nada mejor que comenzar con José Nebra y con Iphigenia en Tracia. La zarzuela barroca habla, como otras zarzuelas, de un tema universal. Al ser universal no sólo hay una manera de hacerlo. El tema es el rencuentro de dos hermanos, Iphigenia y Orestes. habla del perdón y del reconocimiento del otro y de la verdadera liberación del sufrimiento humano.

PABLO VIAR: DISFRUTAR
DE LO MITOS GRIEGOS
Y UNA FABULOSA PARTITURA

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 PABLO VIAR
FOTO: RANCESC PRAT
 

Quien arremete con la puesta en escena es Pablo Viar (1) que manifiesta su  "gran alegría" y "honor" por poder participar en este proyecto, del cual destaca una serie de

  • elementos fascinantes. En primer lugar están los mitos griegos como son la inmortal historia de Iphigenia, Orestes y los descendientes de la casa de Atreo. por otro lado la fabulosa partitura del maestro Nebra, que tenemos eta ocasión magnífica de poder disfrutar. Soy un convencido de que el teatro es un trabajo de equipo, y es un lujo poder asumir la dirección de escena de este proyecto con un equipo de este calibre.

A nivel escénico los presupuestos desde el principio fue acudir

  • a una estética actual, con una gran fuerza visual y realizar una dramaturgia que permita comunicar las ideas fuerza del argumento el final del libreto, para lo cual redujimos el número de personajes a su esencia, y los hemos reducido a la seis partes cantadas.

Originariamente era 10 personajes y "acompañamiento de Zagalas y Soldados". En esta versión los seis personajes son : Iphigenia (María Bayo),  Orestes (Auxiliadora Toledano), Dircea (Ruth González), Polidoro (Erika Escribá), Cofieta (Lidia Vinyes), Mochila (Mireia Pinto).

  • En la dramaturgia, hemos decidido recoger, también, pequeños fragmentos de las fuentes de inspiración del libretista que se hunden en la Ifigenia en Táuride de Eurípides; también algún fragmento de Goethe y hemos mantenido diversos fragmentos del libreto original. Estos textos añadidos forman como un frontispicio que nos sirven , a través de Iphigenia, las líneas centrales del argumento. Me parecía interesante hacer un guiño a la fuente original, Eurípides, y a Goethe, porque Nebra está entres estos mundos. Tiene un aroma romántico que inensifica el mundo interior de Iphigenia.  Mi labor, como en otros trabajos, ha sido potenciar la emoción y presentar el argumento con una claridad que permitan seguir los diversos sucesos del argumento. A nivel del espacio escénico he querido crear un espacio en el que el espectador pueda disfrutar de la maravillosa y luminosa partitura de Nebra. Un espacio en el que la música del foso y el arte de estas maravillosas intérpretes pueda brillar como merece. Por otro lado conservamos la estructura de la zarzuela barroca combinando los recitativos y números puramente musicales con partes habladas. Es un viaje hacia el interior más que al exterior y, por tanto, estos diálogos se convierten en monólogos interiores de Iphigenia que, como protagonista, nos va relatando el devenir de los acontecimientos. 

Pablo Viar hace hincapié en el poder trabajar con un equipo que califica de "lujo",

  • Es una profunda satisfacción del trabajo compartido: con el maestro Francesc Prat al que he conocido en este proyecto, y es un lujo y un honor haber podido disfrutar de su trabajo, y el trabajo de Frederic Amat , de Gabriela Salaverri en el vestuario y de Albert Faura en la iluminación, así como el de estas seis cantantes.  

FRANCESC PRAT:
UN ESPACIO PARA QUE
LA MÚSICA CANTE

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   FRANCESC PRAT
FOTO: www.madridteatro.net

Francesc Prat (Barcelona) (2) se encarga de la dirección musical. Como anécdota cuenta que

  • estudié en Barcelona, y nadie me habló de José de Nebra. Me fui a estudiar a Basilea y a los quinces días me hablaban de José de Nebra. Nos pasa mucho, y no quiero entrar en ningún debate, pero son esta cosas que dices "llevo años estudiando el oboe, me voy a estudiar música contemporánea a Suiza y me hablan de…¡ohh! un músico español, Nebra". Gracias por poder haber ido a Basilea y gracias al director musical Oliver Díaz, ya que ha sido un apoyo en todo momento como también han sido la seis cantantes. Me han aportado muchas cosas. Cuando tienes un equipo no solamente hay que dirigirlo, sino que, también, el equipo te enseñe cosas. He aprendido mucho de ellas y de Pablo Viar, pues como le dije en su día es que ha permitido con su puesta en escena que la música cante. Esto en este texto es muy importante.

Cuando le plantaron delante un Nebra su pregunta fue

  • ¿Qué hago yo aquí? Tengo el maldito defecto de ser compositor. No sólo soy director. Tengo todos los defectos del mundo como se puede ver. Para mí, y esto es clave, mi aproximación a un texto del siglo XVIII, no es desde el siglo XVIII, sino desde el siglo XXI. Desde el siglo donde yo vivo, y como tengo el defecto de ser compositor, para mí lo más importante es el texto, la partitura. No como se debe tocar, sino qué me transmite a mí. Naturalmente hay unas convenciones de la forma de tocar de la época obvias por los materiales que tenían. Los instrumentos no eran como ahora, y ello te obliga a tocar de una manera, pero antes está el texto. En este texto conviven algo muy fuerte. Es lo que me ha parecido a mí a, a lo mejor, ahora Nebra está retorciéndose. Hay un aspecto muy  bonito y que hemos descubierto todos: que es un texto teatral, que no es tan evidente hacer una ópera con un texto teatral musical. Nebra lo es. Se nota porque en el foso pasan muchas cosas simples, pero que dan juego dramatúrgico: imitaciones, imitaciones con las cantantes. De golpe la "orchestra" pasa a ser un personaje más. Muchas veces les hablaba a la ORCAM (orquesta) "sois el aspecto psicológico. En la persona enfadada es lo que está en el estómago y produce el enfado". También hay cositas mucho más simples y muy bonitas. Esto el Renacimiento ya lo hacía, y dices "esto es brutal". Sólo hay dos piezas con flauta que son las dos arias de Iphigenia. Es tonto, pero es fantástico porque te están marcando un carácter, la intención…Te está explicando una historia. Cuando oyes las flautas es Iphigenia. Cuando estudias composición esto es lo que te enseñas y está aquí "¡chapeau!".

Francesc Prat fue ayudante de Ivor Bolton, con el cual trabaja desde 2014,  en el Teatro Real en el 2016 con La prohibición de amar (CLIKEAR) de Richard Wagner

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 MARÍA BAYO
FOTO:TZ

LA CLAVE DE LA PIEZA:
LA INTENSIDAD ARTICULADA

Otro aspecto que le gusta a Francesc es la época, porque

  • me recuerda mucho a la nuestra. Se está muriendo una y está naciendo la otra. En el medio ¿qué hacemos? Nebra está allí. Hay muchas piezas de Nebra que dice "sí, barroco, pero no". O bien "esto es clásico, pero tampoco". Es fantástico este no ser de nadie y ser de todos. Esto crea una tensión interna en el momento de llevarlo a cabo y te planteas "¿qué hago?" Esta pulsión interna lleva a algo que, creo, está en la clave de la pieza, y que hemos conseguido: la intensidad. Es un concepto, pero hay dos ejemplos muy claros: no dejar escapar una. Cómo yo respiro. si respiro mal toda la frase va a salir mal. Si mi anacrusa - la nota  o grupo de notas sin acento que preceden al primer tiempo fuerte de una -  no tiene ese carácter, las tres notas que le siguen no va a tener ese carácter. O por ejemplo en la "orchestra", que hay 20 semicorcheas - siempre digo semicorcheras - 18 hacerlas y 2 no, mal. Son 20. No es que el director lo quiere así, no. Es Nebra. Miras este texto y lo ves. Entonces es esta intensidad que nos da la clave. Para mí es lo más importante. No es una intensidad dinámica sino de articulación. Es decir la mitad de dinámica y el doble de articulación. Esto ha pasado en los ensayos. De golpe estamos tocando o cantando más piano, pero suena más fuerte porque articulamos mucho más. Lo que proponemos en este viaje de Nebra es descubrir esa intensidad. Descubrir que todo está bien. Descubrir que hay un mundo que está cambiando no solamente en el 1747 sino también en el 2016.               

FREDERIC AMAT :
UNA ESCENOGRAFIA QUE QUIERE
SUGERIR, EVOCAR Y ACOMPAÑAR LA MÚSICA

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FREDERIC AMAT
FOTO: www.madridteatro.net
 

Del espacio escénico se  ocupa el pintor Frederic Amat (3), el cual confiesa que más que las palabras tiene la imagen.

  • Cuando estoy triste leo poesía o escucho música y cuando estoy alegre escucho música y leo poesía.  Es decir leo mucha poesía y escucho mucha música, porque para mí son la mejor inspiración para el trabajo de pintor. Son caminos de ida y vuelta. En estas circunstancias vivo como privilegio ese trabajo e equipo en esta aventura escénica, porque me rescata de la soledad del estudio. A medida que vamos acabando vuelvo al estudio y me digo "que maravilla esa soledad y esa tranquilidad", pero tanto una experiencia como otra cargan las baterías. En este caso yo también desconocía la música de Nebra, y ha sido un descubrimiento. Ojalá nuestros espectadores puedan compartirlo, porque es maravilloso. Es una música del XVIII, pero es una música híbrida. Hay seguidillas, hay una música importada de la colonia. Es una música estimulante. Cuando la escuchas y, tras conversaciones con Pablo Viar, quieres dar a ver Iphigenia en Tracia, lo que me inspiró fue la música. Incluso hay momentos en que pinto en escena "a tempo musical", equivocado o no. No lo sé. No quiero desvelar mucho más sobre este particular, pero pinto en escena. Hay un homenaje a la pintura.  Hay, sobre todo, una pretensión, quizá pretenciosa, pero, creo, conseguida que era crear no un decorado, yo no sé hacer decorados y no era lo que se me encomendó, sino como un gran instrumento musical. Yo soy de los que me quedo apantallado y perplejo cada vez que veo un órgano. Esta ascensión de la música, ¡qué maravilloso!", donde entran ya en los límites de la escultura sonora. Lo que he hecho aquí es subvertir el órgano. Todo lo contario. No es un espacio escénico, ni ha de serlo porque como decía nuestro Prat, es una visión del 2016, en el que han ocurrido muchas cosas y hay subversión. No es una escenografía narrativa y que quiera ilustrar la historia que se cuenta en escena, sino que lo que quiere es sugerir, evocar y acompañar la música, cada nota, cada presencia, cada voz. Esto es lo que he querido. Cuando uno ve que esta especie de órgano gigante en escena subvertido en el centro, entonces ve es un mástil y cuando cree que es un mástil se da cuenta de que no lo es. Es un templo, es un bosque, es un valle. Finalmente no es nada. Este es el territorio en el que me gustaría estar. Es la revelación del enigma profundo que siempre esconde la música.  Es ese interlineado de las partituras musicales que les quieres dar a ver. Esta ha sido mi tarea y ojalá se haya conseguido. Con todo quiero añadir que un espacio escénico sin cantantes, sin un director que trabaje la dramaturgia, sin la música, es un cadáver. Yo en este vuelo simplemente he puesto la azafata, y son todos ellos los que lo llevan a otro lugar. Sin ellos el vuelo es corto.

UN CD GRABADO POR MARÍA BAYO
UNO DE LOS MOTORES
PARA PONER EN MARCHA ESTA IPHIGENIA

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  MARÍA BAYO
FOTO: JAVIER DEL REAL 

La obra desde su origen ha sido escrita para mujeres aunque interpreten personajes masculinos. No para "castrati" como solía ser frecuente en la época. Una de las responsables de haber llegado a esta Iphigenia es María Bayo con aquel CD que regaló a  Daniel Bianco. Agradezco que Daniel le hay embarcado en este proyecto que define como "maravilloso".

  • Recibí su llamada y me dijo: "María quiero que esté en mi primera programación del Teatro de la Zarzuela. Hace muchos años que nos conocemos. Lo adoro y dije:"Me parece genial" Medio "qué personajes quieres hacer. Yo quiero que hagas Iphigenia, pero míratelo." Como ha dicho el compositor Prat, yo también conocí Nebra por una casa francesa que me ofreció hacer una grabación de Nebra.  Es muy curioso que en este país no tengamos noción de lo que tenemos. Hice esta grabación y descubrí todo un mundo maravilloso que lleva, como ha dicho el maestro, no ya al barroco. Me inspira el clasicismo más adelante. Es un paso de una época. Quiero agradecer de  verdad al maestro, porque ha sido maravilloso trabajar con él y cómo ha conseguido que la orquesta tenga esa flexibilidad que no es fácil entender esta música.  Es un hombre muy apasionado, que les gusta hacer muy bien las cosas, algo que me parece fantástico. Quiere ir al máximo de lo que se puede ir, y no estamos con una orquesta barroca que están más habituados a interpretar esta música. Se ha enfrentado con una orquesta que tiene que entender esta música y normalmente no la hace. Ha sido un trabajo fantástico para tener esa flexibilidad, la manera de entender esa música y  cómo hacerla.  Es un hombre apasionado por la música, la palabra, por el drama que representa la ópera. Estamos en el espectáculo que aúna todas las Artes: música, puesta en escena, escenografía…, y cuando se unen todas es el espectáculo fantástico. Es un hombre apasionado por hacer bien la música. Agradecer también a Pablo, a Frederic… Es una gozada poder estar en esta producción, y a todas estas "chicas", pues somos "chicas", seis protagonistas que es una maravilla poder trabajar con ellas. Espero que  esta obra guste mucho porque ha sido un trabajo fenomenal, estupendo, y que la gente lo sepa apreciar.

María Bayo destaca en Nebra la habilidad por no componer arias decorativas

  • No son superfluas. Hay una verdadera dramatización. Es un genio haciendo esta música. Dice muy bien con toda esa música lo que quiere expresar con ese drama.

María Bayo subraya su satisfacción de participar en el proyecto y de estar en el Teatro de la Zarzuela porque

  • mis primeros pasos furo en este teatro. Cuando empecé hace 25 años, el Teatro Real de Madrid no existía y las producciones de ópera se hacían en el Teatro de la Zarzuela. Tenía un recuerdo inolvidable, así que cuando Daniel me llamó me hizo una ilusión enorme.

María Bayo piensa que con referencia a la grabación que hizo en su tiempo, si su tesitura ya encajaba perfectamente en la sonoridad barroca de soprano, ahora encaja mejor porque

  • soy más lírica. Nunca he sido lírica ligera, pero ahora encaja perfectamente en mi vocalidad. Es un personaje que me ha seguido los años muy bien.

AUXILIADORA TOLEDANO:
UNA LÍRICA LIGERA PARA
UN RUDO ORESTES

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RUTH GONZÁLEZ / ÉRIKA ESCRIBÁ / LIDYA VINYES-CURTIS FOTO: TZ  

Auxiliadora Toledano (Córdoba) interpreta a  Orestes, y manifiesta su gran agradecimiento a Daniel Bianco,por haberle dado la oportunidad de interpretar a Orestes que califica de

  • papel maravilloso. Conocía a Nebra y su música me enamoraba. Cuando me dijo Orestes, "¿De verdad?" Estaba increíblemente alucinada. Me acuerdo de aquella mañana que no me lo podía creer. En la presentación de la obra a nosotros, Pablo Viar dijo una frase que supe lo que iba a ser esta producción: " Prefiero siempre el trazo fino al trazo grueso". Me dije "no se puede afinar más para interpretar esta música". Para mí, Pablo Viar, ha sido un descubrimiento total. Me ha hecho llegar a la esencia del personaje, que ha sido difícil para mí, porque tiene mucha fuerza interior, mucho tormento y, a la vez, implora perdón. Es un cumulo de sentimientos que es difícil casarlo con la ligereza del aspecto vocal. La agilidad no se puede hacer como una coloratura normal. Se tiene que integrar dentro de esa desesperación del personaje. Pablo me ha ayudado muchísimo y tengo que decir que es un genio y estoy muy agradecida. El maestro Prat me ha dejado impresionada. Ha sido otro gran descubrimiento, porque tiene una cabeza que se sale de lo normal. La genialidad de Frederic Amat, ¡bravo! Quiero resaltar la sensibilidad de Gabriela Salaverri, y su manera de resalta en cada uno lo más bello que tenemos, incluso en roles como el mío que es rudo, fuete y no es bello de ver. Con su creación nos muestra su interior que es lo que hay que ver. Gracias a mis compañeras por ayudarme en este papel que tenía mucha soledad en el escenario. Siempre tenían una palabra para hacérmelo más llevadero.

Aurora es una soprano lírica ligera y ello le ha obligado

  • a tener que encajar la fuerza que obliga el personaje, meterlo en la partitura. El aria final es brutal, y pablo la ha enfocado de una manera muy fuerte. No se trata de una coloratura, sino que es un grito de desesperación. No es una "cavaletta" del "bel canto".  Creo que el efecto de lo que pretendía Pablo, hemos llegado a ello. Francesc me ha ayudado mucho en el decir. Si tú te expresas mediante la palabra, la música, a veces, cobra otro sentido. hemos llegado muy al fondo de la palabra y en los recitativos también.   

RUTH GONZÁLEZ 
ARTÍSTICAMENTE Y HUMANAMENTE 
EL EQUIPO ES BRUTAL 

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  MARÍA BAYO / AUXILIADORA TOLEDANO /MIREIA PINTÓ
FOTO: JAVIER DEL REAL

Ruth González  (Tenerife) es Dircea. Subraya que al estar entre este equipo

  • soy feliz.  Subrayo lo dicho en cuanto al concepto artístico. Creo que es un concepto único. No pasa siempre que todas las partes que componen el proyecto estén de acuerdo. En este caso sí. Creo que en el Teatro de la Zarzuela está pasando algo importante. Seremos conscientes de lo que está pasando, en breve, y, a mí, me hace muy feliz formar parte de eso que está pasando. Creo que las cosas están cambiando. Se está abriendo un mundo que merecemos que se abra para los que estamos de este lado y los que están como espectadores. Es una auténtica felicidad. Artísticamente y humanamente el equipo es brutal. Me gusta muchísimo la partitura, el aria que canto, lo que digo y lo que  soy. Es un proyecto redondo que me hace feliz y me encanta estar aquí.

Referente a la viveza de Francesc Prat , Ruth lo define como un hombre de

  • gran vitalidad e inteligente. Su cabeza va a muchísima velocidad. Durante los ensayos se mantiene en calma, pero cuando habla de lo que le apasiona se viene arriba, porque por su cabeza están pasando  muchísimas cosas. Su inteligencia y su lucidez han permitido que todo lo que ha explicado con una orquesta que no sea barroca, con un entorno lleno de elementos. inteligencia y pasión es lo que lo define.

ÉRIKA ESRIBÁ:
SOY UN JOVEN QUE SE DEBATE
ENTRE EL DEBER Y EL DESEO

Érika Esribá (Valencia) es Polidoro. Agradece el debutar en el teatro de la Zarzuela que define como el templo de la lírica española, y al equipo que le han hecho muy fácil el descubrimiento de su personaje.

  • Pablo Viar comentaba que es un viaje interior. Cada uno de los personajes estamos muy definidos y tenemos unas características que nos definen mucho. Yo soy un joven que se debate entre el deber y el deseo. Es una necesidad muy humana y es algo que nos ocurre a todos.  En este caso a un príncipe atado a sus costumbres, a su pueblo, a sus deberes principescos, y dentro de esos deberes tiene una lucha aún más poderosa de lo que  podemos tener el resto.  En esa búsqueda musical e interpretativa y, también, la propia escena tan mágica que da pie a imaginar que estás dentro de un templo, un bosque, un palacio, un jardín, el mar, la tempestad o dentro de cualquier sitio… es fácil construir un personaje lleno de inmensos matices en los cuales vas vacilando ente unas emociones y otras.  Es un personaje que  al final de la zarzuela llega a saber quién es, pero le queda camino.
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MARÍA BAYO / AUXILIADORA TOLEDANO
FOTO: JAVIER DEL REAL

MIREIA PINTO:
UN ESPCTÁCULO QUE CHISPEA MAGIA

Mireia Pinto (mezzosoprano, Manresa, Barcelona) es Mochila. El agradecimiento de volver al Teatro de la Zarzuela viene acompañado de

  • una ilusión especial porque vengo después de 20 años, cuando hice una Cenerentola de Rossini. La pareja que formamos Lidia (Cofieta) y yo somos unos personajes más terrenales y, quizás, tienen ese punto más gracioso que da contraste y viveza al espectáculo, pero puedo garantizar que es un espectáculo que chispea magia por todos lados. Que nadie se lo pierda, porque es mágico a todos los niveles: musical, visual, de movimiento. Tengo unas compañeras fantásticas y entre todas completamos esa magia y esa chispa.

LIDIA VINYES-CURTIS
ACOMPAÑÉ A MARÍA BAYO
HACE 10 AÑOS  TOCANDO  EL VIOLÍN

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EXPOSICIÓN  

Lidia Vinyes-Curtis (mezzosoprano, Barcelona) es Cofieta. Hace caer en la cuenta que los dos personajes graciosos son mezzosopranos

  • No es casualidad. Ellas son cuatro sopranos, de alta nobleza y nosotras somos personajes de la tierra que nos reímos de todo. Nos reímos de las convenciones, de las chicas que buscan novio, todas estas cositas. Lo ponemos todo en la balanza. Tengo varios motivos de estar aquí en esta producción. Uno es que, también, he descubierto el barroco español en el extranjero. Yo he tocado, y luego cantar y tocar, porque también soy violinista, Antonio de Literes, Sebastián Durón…en Moscú, en Eslovenia…, o sea en lugares muy lejanos. Es la primera vez que puedo cantar está opera de Nebra y en la Zarzuela, y en España. Es un evento. Creo que hay que valorarlo mucho. Otro motivo por el que estoy superfeliz, es porque puedo compartir esta producción con María Bayo, porque yo la acompañé hace 10 años tocando  el violín. Para mí es superespecial estar con ella en el escenario. No se lo había comentado, pero sí, sí. Otra gran ilusión es poder trabajar con Francesc Prat. Estudiamos en los mismos años en Barcelona. Es un placer tenerlo ahí dirigiéndome. Todo es muy especial en esta producción.

NUEVO TRATAMIENTO
DE LAS ARIAS  DA CAPO
PARA POTENCIAR LA DRAMATURGIA

Una de las innovaciones, por parte de Francesc Prat, es el tratamiento de las arias da capo. La ornamentación musical a gusto de los cantantes en la repetición del aria, en su vuelta atrás, se ha eliminado en lo que respecta a la cantante y tal ornamentación se le encomienda a la orquesta. Tal decisión se ha tomado para que fluyera más el elemento dramático y darla más agilidad a la narración. Es algo que últimamente se hace incluso con Haendel. María Bayo corrobora tal práctica pues ha cantado un Julio César en el que algunas arias no se han cantado da capo. De este modo se da preferencia la dramaturgia, más que a lucimiento de los cantantes, algo muy propio de la época. Se mantiene solamente un aria da capo de Iphigenia.

Por su parte Pablo Viar añade que

  • el teatro se completa en la mente del espectador. La misión de este montaje no es ofrecer una visión única o impuesta de lo significados que encierra el libreto o la partitura, sino ofrecer un espacio tan maravilloso como el soñado por Frederic Amat, ante el cual cada espectador pueda proyectarse y extraer sus propias interpretaciones. El argumento no es complejo y por lo tano no se trata de comunicar todas las líneas argumentales. Intentamos potenciar las historias de estas tres parejas tan distintas, especial la historia inmortal del encuentro de Iphigenia con su hermano perdido, Orestes. El propósito de este trabajo es abrir un mundo de posibilidades y de sensaciones, en las que cada espectador pueda completarlo, habitarlo y disfrutarlo a su manera.   
  • La historia es muy simple - añade María Bayo. Lo que se está viendo son los dramas actuales: odio, amor, perdón, compasión. lo que intenta es crear este mundo mágico en el que el espectador también tenga su visión personal de todo.

Ruth González recuerda que

  1. estamos obsesionados de entender todo desde la razón. También hay que sentarse, sentir e identificarse. Eso, a veces, se consigue desdibujando ciertas cosas, sacándonos de los límites cuadrado que, a veces, tenemos y sintiendo solamente.  

________________

(1) Pablo Viar, licenciado en Historia (Antigua y Medieval) por la Universidad de Deusto de Bilbao y diplomado en Música y Artes Escénicas por la London Academy of Music and Dramtiac, tras su diplomatura se integró en el equipo técnico de la Asociación Bilbaina de Amigos de la Ópera (ABAO). Fue invitado como meritorio por el Teatro Real de Madrid. Fue ayudante de dirección de Robert Wilson , Emilio Sagi, Tomaž Pandur entre otros. En 2011 dirigió El caserío de Guridi para el Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro Campoamor de Oviedo. Pudimos ver esa versión en los Teatros del Canal de Madrid. Por tal dirección recibió el Premio Revelación de Artes Escénicas 2011-Tertulia Escena Siglo XXI. En el Teatro de la Zarzuela fue ayudante de dirección de Graham Vick en Curro Vargas (2014). También ha dirigido el programa doble Une éducation manquée Los dos ciegos (2015)(CLIKEAR), y el programa triple de tonadillas: La España antigua, El sochantre y su hija, yLa España moderna (2016) (CLIKEAR)

(2) Francesc Prat (Barcelona) inicia sus estudios musicales en la Escolanía de Montserrat. Continua estudios de oboe, piano y teoría en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona. Posteriormente obtiene los títulos de oboe  en la Musikhochschule Luzern, composicion en la Hochschule fOr Musik Basel y dirección en la Zurcher ochschule der Kunste. Este director y compositor goza de una carrera variada con especial atención a la música actual y al repertorio operístico. Su interés por la música de nueva creación lo vincula estrechamente al director Jurg Henneberger y a la Ensemble Phoenix Basel, tomando parte en muchos de sus proyectos como la première mundial de la ópera Gunten de Helmut Oehring y de la ópera Die Kilnstliche Mutter de Michel Roth, asf como una nueva producción de la opera Nacht de Georg Friedrich Haas en el Festival de Lucerna. Trabaja regularmente con los grupos Barcelona 216 y Ensemble Ö!, yen la Gare du Nord-Bahnhof fOr Neue Musik Basel. Ha dirigido diversas producciones de la Opera de Butxaca i Nova Creacio. Es director asistente del director inglés Ivor Bolton. Después de diversas producciones juntos en las ciudades de Barcelona, Amsterdam y Salzburgo. Y desde 2014 trabaja con Bolton en el Teatro Real, recinto donde Prat se presenta por primera vez en 2016 con el titulo Das Liebesverbot (La prohibición de amar) de Wagner. Entre 2012 y 2015 asiste a Josep Pons en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Anteriormente colaboró ya en este mismo recinto con Sebastián Weigle. Su repertorio de opera incluye compositores de la escena contemporánea (Haas, Sciarrino, Moser, Maxwell¬Davies, Barret, Oehring) así como del repertorio clásico (Gluck, Mozart, Beethoven, Berlioz, Verdi, Britten). Como compositor, su catalogo incluye básicamente música de cámara y obras para ensemble, estrenadas en Suiza, Alemania, Austria e Italia. En octubre de 2012 estreno su primera opera en Basilea. Francesc Prat colabora par primera vez can el Teatro de la Zarzuela.

(3)Frederic Amat (Barcelona). Pintor cuyo trabajo desafía una única forma de categorización. Su obra ha sido expuesta y publicada ~n todo el mundo. Su concepción abierta de la pintura le ha llevado a integrar en su trabajo creativo múltiples lenguajes artísticos. Ha realizado escenografías para la danza y el teatro a partir de textos de García Lorca, Beckett, Juan Goytisolo, Koltés, y Octavio Paz. Asimismo ha dirigido y conformado los espacios escénicos de la opera El viaje a Simorgh de Sánchez Verdú y Goytisolo, y de los oratorios Oedipus Rex de Stravinski y Cocteau, así como Maddalena ai piedi di Cristo de Caldara. También ha participado en otros espectáculos como Belmonte, Zumzum-Ka y Preludios, con coreografías de Gelabert-Azzopardi, o una performance en la que participaron Shoji Kojima y Chicuelo. Asimismo participa en las producciones de El Público, de García Lorca, para el Centro Dramático Nacional y Esperando a Godot de Beckett, para el Teatre Lliure, dirigidos ambos por Lluis Pasqual, así como Odiseo y Penelope de Homero, dirigido por Joan Ollé, en el Teatro Romano de Merida o Ki, dirigido por Cesc Gelabert y Frederic Amat, en el Festival Grec, entre otros. Cabe destacar otras importantes producciones como Tirano Banderas de Valle-Inclan, Roberto Zucco de Koltés y Haciendo Lorca, dirigidas por Pasqual; Los bandidos, de Schiller, por Lluis Homar, o Catón, de Savater, por María Ruiz. También ha ilustrado obras literarias como Las mil y una noches o La odisea. En sus intervenciones en espacios arquitectónicos ha desarrollado proyectos que combinan pintura, escultura y cerámica: El mural de les olles, Villa Nurbs, Pluja de sang o Mur d'ulls. En la misma dirección plural ha extendido la pintura al ámbito de la cinematografía en Viaje a la luna (1998), proyecto con guion de García Lorca. También ha dirigido e ilustrado cortos como Foe al cantir (2000), con guion de Joan Brossa: El aullido (2009), con Guillermo Cabrera Infante, y Memorias de Tortuga (2013), con Juan Goytisolo. Frederic Amat colabora por primera vez con el Teatro de la Zarzuela.

Más información
    Iphigenia en Tracia. Nebra.TZ

José Ramón Díaz Sande
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Última actualización el Domingo, 13 de Noviembre de 2016 15:44